Parece que Line 6 revoluciona nuevamente las simulaciones de amplificador. Esta vez no es lo que venían haciendo ultimamente con los anteriores POD, que era presentar aparatos con distintas prestaciones, según el precio, pero con pocos cambios en la tecnología de simulación.
Ahora presentan el nuevo POD HD con nuevas simulaciones HD, nuevos amplificadores simulados y nuevos efectos. Los modelos de amplificador simulados están basados en los siguientes amplificadores:
Como en el modelo anterior, no solamente viene acompañado de efectos si no que presenta simulaciones de pedales de efectos clásicos como el Tube Screamer de Ibanez o el Whammy de Digitech.
Tiene conexiones de E/S para enviar tonos HD a tu DAW por USB, envía una señal digital de 24 bits por S/PDIF o por salidas balanceadas estéreo de 1/4 “. Conecta tu guitarra a la entrada jack mono y un micrófono a la entrada XLR (con la perilla de ajuste dedicada). Conecta un controlador de pedal Line 6 FBV™ MkII para cambiar de tono mientras grabas o tocas en directo. Usa la salida de auriculares para no molestar si tocas a deshoras. Se vuelve a presentar como el complemento idóneo para las grabaciones semiprofesionales en casa.
Diseño sólido y robusto y con muchos accesorios aliados para lo que puedas necesitar.
Para más información técnica y escuchar las simulaciones a través de samples de guitarras reales pulsa aqui.
En la tartera donde llevas el almuerzo al trabajo ahora puedes meter 200 watios de potencia. ZT ha creado el amplificador pequeño más potente del mercado.
Se tratadel amplificador ZT Lunchbox. Un pequeño amplificador de tan solo 192 mm x 250 mm x 112 mm y 4,3 kg de peso. Construido con transistores, en clase A/B y con un altavoz de 6,5″ es un amplificador ideal para tocar en casa ya que lo puedes guardar en cualquier sitio.
Al contrario de lo que pueda parecer es un amplificador con presencia de sonido. Lo normal con los amplificadores pequeños es que el sonido se te quede pobre como el de un radiocasette, sin apenas presencia. Además, si aun necesitases más, dispone de una salida para conectarlo a una pantalla adicional del mismo tamaño.
Para más información puedes pulsar el siguiente enlace:
Creada con el rock como objetivo. Sin adornos y en un diseño único. La Sreetwalker es la encarnación de una máquina de hacer rock.
La Framus Streetwalker es una de esas guitarras de aspecto a medio camino entre una guitarra agresiva y una guitarra elegante. Dotada de dos pastillas dobles Pearly Gates Humbucker y SSSL-5 tiene un sonido potente y redondo con canales saturados. Mientras que su sonido es brillante y cálido con canales más límpios.
Su puente Floyd Rose te permite ejecutar efectos de palanca sin perder la afinación como viene garantizando durante tantos años la marca de la patente de los puentes flotantes.
Para más información puedes pulsar el siguiente enlace:
Si ya te has familiarizado con las formas más habituales del Blues, sientes el cambio de acordes dentro de ti, sabes que el turnaround está a punto de suceder… Si todo esto ya es algo natural para ti, entonces, significa que ya estás más que preparado para dar el segundo paso hacía el universo del Blues.
En este nuevo número, continuamos hablando de este estilo que ha sido base de tantos otros y agrupando sus rasgos más característicos. Después de haber hecho un repaso a las formas estándares más habituales, vamos a pasar a hablar de la armonía y melodía, del ritmo y de los estilos más significativos. Si alguna vez te has preguntado por qué un acorde suena bien en el blues a pesar de que no encaja en la tonalidad en la que se supone que estamos, por qué hay blueses en los que los tres acordes son dominantes etc. vamos a intentar dar respuesta a todas estas dudas y otras más en esta segunda parte. Sin más preámbulos, comenzamos con la segunda parte de este estudio.
ARMONÍA
Existen dos tipos básicos de blues:
El blues en modo mayor.
El blues en modo menor.
Ambos se basan en los grados y las cadencias características de la música tonal: I (Tónica), IV (Subdominante), V (Dominante). En el blues menor, la armonía funciona de la misma manera que lo hace en cualquier tipo de música en tonalidad menor, con una excepción de la que hablaremos más adelante. El blues mayor, sin embargo, no es completamente diatónico a la armonía tonal mayor y toma notas tanto de la escala mayor como de la escala de blues (1,b3,4,b5,5,b7).
BLUES MAYOR
A la hora de añadir extensiones a los acordes tríada que surgen en la tonalidad mayor, el blues mayor utiliza las notas de la tonalidad, más las de la escala de blues. Teóricamente, serían validas cualquiera de todas las extensiones que nos diera la superposición de la escala mayor y la escala de blues sobre las tríadas. Sin embargo, hay unas que son más usadas tradicionalmente y aportan un mayor sonido bluesero. De esta forma, a cada uno de los grados de un blues mayor les corresponderían las siguientes extensiones:
Superponiendo la escala de blues sobre las 3 triadas mayores (I,IV,V).
I-b7, #9
IV-b7, 9
V-b7, #9, b13
Las extensiones diatónicas en tonalidad mayor.
I-9,13
IV-9,13
V-9,13
Es muy común utilizar una b9 en el quinto grado también a pesar de que no pertenezca ni a la tonalidad ni a la escala de blues, tratando este como un acorde alterado V que vuelve al I.
Estas son algunas de las posiciones más utilizadas en un blues mayor para los acordes extendidos:
BLUES MENOR
El blues en tono menor, como ya hemos dicho, toma su armonía de la tonalidad menor, y estos son sus acordes básicos:
Sin embargo, existe otra variante que es la progresión más común dentro del blues menor:
El grado bVI al que le correspondería una 7 mayor, es dominante porque toma la b7 de la nota blues b5 de la tonalidad. Es la única característica distinta en el funcionamiento armónico del blues menor en relación a cualquier otra música en tono menor.
MELODÍA
El rasgo más característico de la melodía en el blues, es el hecho de que en el blues mayor pueden concurrir la 3ª mayor y la menor, la 5 justa y la disminuida y la 7ª mayor y la menor. Ya hemos comentado en el apartado de armonía que en el blues mayor concurren las notas de la escala menor pentatónica y las de la mayor. En la melodía ocurre otro tanto de lo mismo. En el blues menor también se da el mismo caso con la 5ª.
En cuanto a su distribución sobre los acordes, podemos distinguir dos líneas melódicas básicas. Estas líneas coinciden con las melodías vocales improvisadas más tradicionales del blues. También coinciden con la estructura AAB.
En el blues de 12, la primera línea ocupa los dos primeros compases, dejando el tercero y el cuarto libres. En la segunda línea se repite la primera sobre el acorde IV. Esto ocurriría de nuevo en los dos primeros compases dejando el séptimo y octavo libres. Del compás nueve al diez tendríamos la línea de resolución que marca el final de todo el ciclo para después volver a empezar tras la cadencia. Los compases vacíos eran un recurso para pensar en la siguiente línea que vamos a improvisar.
Aquí podemos ver la distribución de las líneas melódicas en un ciclo completo. Es muy importante tener esto en cuenta en la creación de nuestros solos. Le dará un sonido totalmente bluesero.
En el blues de 8 compases las líneas melódicas ocuparían las siguientes posiciones:
Existe una tendencia a comenzar las líneas melódicas en anacrusa, sobre todo en el blues de 8 compases.
RITMO
Una vez sabemos qué tipo de blues estamos tocando (estrucutura y si es mayor o menor) nos falta saber qué tipo de ritmos le podemos aplicar. A lo largo de la historía, se han aplicado una infinitud de ritmos a las armonías y estructuras de blues que ya hemos estudiado.
Estos son los ritmos más comunes:
1) Shuffle:
Es probablemente el ritmo más característico del blues. Está basado en un ritmo a corcheas en el cual la primera dura más que la segunda. Podría interpretarse como un ritmo de tresillo de corchea de una negra+una corchea:
Sin embargo, no es una medición exacta, y una vez más depende del feeling de cada artista. Algunos prolongan más la primera corchea, otros menos.
Es uno de los blueses más primitivos. No busca una labor de guitarra solista, y se centra sobre todo en el ritmo para acompañar a la voz. Es muy común el uso del “slide”. Se toca con guitarra acústica, y se tiende a utilizar mucho tonalidades abiertas. El nombre hace referencia a la Delta del Mississippi, porque es donde se supone que surgió. Sin embargo, ha habido artistas en muchas otras zonas que también han desarrollado este estilo.
Se caracteriza por tocarse con dedos en un estilo de tipo ragtime, en el cual el bajo lleva una base rítmica y se alterna con las cuerdas más agudas haciendo melodías. Este estilo evolucionó en una dirección más cercana a la música folk, distanciándose del blues.
Es un blues similar al del Delta pero con una peculiaridad, la influencia de las Jug Bands. Las Jug bands eran bandas formadas por gente que tocaba instrumentos hechos por ellos mismos con lo que tenían a su alcance en su entorno rural. Tenían banjos, mandolines, guitarras e instrumentos de viento, como la armónica, hechos de forma casera.
La principal característica de este estilo es su continúo ostinato en el bajo. Es muy fácil de reconocer. Nació como un estilo tocado en piano, en el cual la mano izquierda tocaba este ostinato, mientras la derecha hacía adornos. La guitarra intentó imitar esto con pequeños arreglos entre las partes del ostinato tocado en las cuerdas más graves.
Es un blues muy vivo, cercano al rock and roll, en el que se introducen elementos de big band, como vientos. Los saxos toman el mando de los solos y la mayoría de los arreglos. También se conoce a este estilo, como Rhythm and blues.
Se introdujeron amplificadores, bajos electricos, baterías y armónicas, y se creó el nuevo movimiento de blues, que también es conocido como “Chicago blues”. Este estilo se dio tanto en Chicago, como en Detroit y St. Louis. Sin embargo, Chicago fue sin duda, donde más se explotó. Esta muy infuenciado por el blues de Mississippi, tanto del Delta como de Memphis. Muchos artistas de Mississippi se mudaron a Chicago y electrificaron la tradición de blues que ya traían. La armónica toma un gran peso en este estilo.
El blues era una música que aún a mediados del siglo pasado, sólo era tocada por músicos negros. Sin embargo alrededor del año 60 hubo un movimiento de blues en Gran Bretaña en el que músicos blancos recuperaron temas de la epoca del Delta blues, y lo abrieron a un mayor público. El estilo British fue una evolución del eléctrico en el que se añadió más distorsión e incluso, a veces, rasgos psicodélicos. Hay que tener en cuenta que en Gran Bretaña estaban surgiendo ya los primeros pasos del heavy metal.
Tuvo una gran influencia del blues de Chicago y de Gran Bretaña. Los miembros de la banda en este estilo se redujeron todavía más, y estaba normalmente basado en guitarra, bajo, bateria y voz. La guitarra llevaba el mayor peso y se encargaba tanto de la parte de rítmica como de la solista. Se vuelve todo mucho más crudo y directo a diferencia del British blues donde por ejemplo aún se oían también teclados o más arreglos.
Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.
¿Alguna vez te has preguntado por qué a pesar de que te has aprendido 2.433 licks, tu blues sigue sin sonar como el de B.B. King? ¿Por qué después de haber desmenuzado hasta la última posibilidad armónica que la progresión a la que te enfrentas te permite y después de cinco años de minucioso análisis y haber hallado todos y cada uno de los recursos posibles para, finalmente, crear algo de música, sigues sin sonar como te gustaría?
Pues bien, si no estás sentado, siéntate y lee con atención lo que a continuación voy a decir. La gran mayoría de músicos a los que admiras, a parte de ser grandes estudiosos, tienen algo más, algo que no te lo va a dar sólo el estudio: tienen musicalidad.
Pero claro, ¿y qué es la musicalidad? te estarás preguntando ahora. Pues la respuesta es bien sencilla: la musicalidad es saber adecuar todos los conocimientos musicales que posees a la pieza y situación concreta en la que tienes que crear música. Para ello tal y como el título del artículo dice, es importantísimo escuchar y sentir la música y no sólo pensarla. El hecho de utilizar una escala u otra, o de resolver sobre una u otra nota no depende del análisis de la progresión y de ver qué funcionaría. Depende del sonido que tú sientes que ahí encaja y después utilizar la escala o nota que te lo da. Para llegar a conseguir esto, estudiar mil licks y escalas al día, en sí solo, no te va a llevar a ningún lado. Debes también escuchar esa música, tocar esa música. El oído irá grabando sus progresiones típicas, tipo de ritmos que utiliza, notas más comunes sobre cada acorde etc en tu memoria musical. De esta manera, la próxima vez que vayas a una jam sabrás que existen los silencios y que en un blues de Buddy Guy un tapping, por mucho que esté en el tono, queda ridículo.
Cualquier guitarrista con algo de experiencia, cuando toca un blues de 12 compases no necesita llevar la cuenta de cuándo viene qué acorde. Tiene el oído acostumbrado y siente cuando cambia al IV y vuelve al I, o cuando llega el turnaround. Por lo tanto, si pudiéramos agrupar las progresiones y rasgos característicos de cada estilo, conseguiríamos una plantilla que se podría después aplicar a cualquier canción que esté dentro este estilo. Con esto, lo que quiero decir, es que gracias a que sabemos como funciona un blues de 12 compases, da igual cuál sea la canción, si esta es un blues de 12 compases, sabremos como ser musicales en ese contexto.
En esta línea voy a intentar exponer las características de distintos tipos de música e intentar que podamos hacer que sean parte de nuestra memoria musical para siempre. Voy a dividir el estudio en cuatro apartados: estructura, armonía y melodía, ritmo y subgéneros.
Vamos a comenzar hablando sobre el BLUES.
1-ESTRUCTURA: Más allá de los 12 compases.
En sus primitivos comienzos, a principios del SXX, la estructura de un blues no estaba sujeta a un número concreto de compases y ni siquiera a un tipo específico de compás. Como ocurre en muchas otras músicas, sobre todo en las que predomina la improvisación del cantante, este puede alargar sus frases más o menos y cambíar de acorde cuando le convenga según lo que esté cantando. Por lo tanto para acompañar a un cantante de este tipo tendremos que afinar el oído y seguir SUS cambios. Ejemplo de ello es Robert Johnson, quien grabo varias tomas de sus canciones y ninguna de ellas es igual a la anterior. Cambiaba de acordes cuando lo sentía y la voz se lo pedía.
Veamos, por ejemplo, el tema “Kindhearted woman Blues” donde la intro esta compuesta por cuatro compases, el primero de 4/4, el segundo de 2/4 y el tercero y cuarto 4/4 a modo de turnaround.
Este tema está tocado con una cejilla en el segundo traste.
Aquí otro ejemplo de cómo a la hora de tocar se guía por su voz y va cambiando de acordes y compás como los siente:
La finalidad de estos ejemplos es que escuchando la voz del cantante o la guitarra, puedas sentir que has de cambiar de acordes, que consigas oír ese cambio sin necesidad de medir los compases. Aquí podéis escuchar la versión que se muestra arriba y otra más para que os fijéis en cómo cambia el tiempo, el tipo de compás y los acordes de una versión a otra:
En estos ejemplos, si bien podemos apreciar que no hay una estructura específica, podemos ver que su estandarización hacia los 12 compases era inminente. A pesar de ello, se crearon muchas otra formas de blues que sin llegar quizá a ser tan utilizadas como la progresión de 12 compases, crearon también formas estándares que sirvieron de base para otras composiciones.
1.2. Formas estándar
1.2.1. Blues de 12 compases
La estructura básica de un blues de 12 compases es de AAB. Los primero cuatro compases serían la primera A, los siguientes cuatro son una repetición de los primeros, desde el punto de vista melódico, por lo tanto, de nuevo A y los últimos cuatro donde se resuelve para volver al I, serían la B. El movimiento tonal estaría distribuido de la siguiente manera:
Respetando esta estructura y las funciones tonales de cada área, se puede, después, incorporar más acordes y crear distintas variantes. Estos nuevos acordes van a tener dos funciones básicas:
1- Un movimiento desde y hacia el acorde principal en cada una de las áreas.
2- Un movimiento hacia el siguiente acorde.
De esta forma surge la forma más típica del blues de 12:
Pero siguiendo las dos ideas que hemos comentado arriba, también se puede crear variantes mucho más completas, por ejemplo, la siguiente:
También es un recurso muy común hacer progresiones de II-V-I a los acordes de cada área.
1.2.2 Blues de 8 compases
Esta es otra progresión típica en muchos temas de blues y la estructura sería la siguiente:
Después aplicamos las mismas dos reglas que utilizamos con el de 12 y podemos conseguir distintas variaciones. La forma más típica sería la arriba expuesta con un dominante V en el último compás para volver al I. También se utiliza mucho el acorde dominante V sobre el segundo compás como pase hacia el subdominante.
Y siguiendo esta fórmula se pueden crear tantas formas de blueses de 16 compases como queráis. Aquí he expuesto las tres que a mi parecer son las más típicas.
Obviamente todas estas formas pueden ser variadas y cambiadas a gusto del consumidor y hay muchos temas de blues que os podrá parecer no encajan en ninguna de ellas, pero mirad bien de cerca y veréis como por muy distintas que sean todas tiene alguna de estas formas básicas en el trasfondo. Ejemplo, el siguiente blues de nueve compases “Sitting on top of the world” de los Mississipi Sheiks, y que ha sido interpretado por gente como Howlin´ Wolf o Cream.
Pues después de este repaso por las formas más típicas del blues, no nos queda sino escuchar, escuchar y escuchar blues y que estas estructuras pasen a formar parte de nuestro oído musical. Os aseguro que cambiará vuestra capacidad de improvisación tremendamente. En el siguiente artículo hablaremos de la armonía y melodía en el blues, sobre el ritmo, y sobre los distintos subgéneros.
Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.
Se apróxima la 46 edición del heineken Jazzaldia de San Sebastían y para la edición del cartel han organizado el III concurso de carteles. “El camino blanco” es nuestra propuesta y la puedes votar desde el siguiente enlace.
Vota el cartel el camino blanco en el III Concurso de Carteles Heineken Jazzaldia y gana un abono doble y alojamiento para dos personas.
La banda de Hard rock melódico edita el esperadísimo disco con material completamente nuevo desde su reunión de 2009.
Frontiers publica en europa el nuevo disco el 21 de enero de 2011. Se titula “what if…” y es el sucesor de “Hey man”, que fué el último disco que grabó la banda original hace ya 16 años. Se presenta en edición especial con un DVD que incluye el “making of” y los videoclips de dos de los sencillos: “Undertow” y “All the way up“. Además estamos de suerte en europa ya que nos regalan un bonustrack titulado “Unforgiven”.
Hemos encontrado el videoclip de Undertow que lo ponemos aqui para que se os vaya haciendo la boca agua.
Hay bajistas que cantan y cantantes que tocan el bajo. El de Seth Horan no es exáctamente ninguno de los dos casos. Es un tio que toca el bajo de maravilla, que canta genial y que no le hace falta nada más para mover sus canciones. Y el caso es que no se echa en falta nada.
Seth Horan es un bajista / cantante / compositor de Nueva York que ha pasado por bandas como Darwin’s Waiting Room y Vertical Horizon con los que llegó al número 1 de Billboard en 2000 con Everything You Want. Es endorser de Warwick a los que acompaña en todo tipo de convenciones y masterclases.
Para muestra un botón o en nuestro caso un video: Something pretty.
Sigue adelante el 2010 con la lista de ilustres del heavy / rock que nos abandonan como el bajista de Talisman, de Yngwie en su primera época junto con los hermanos Johanson y de europe Marcel Jacob, o como el cantante Ronnie James Dio. El último en sumarse a la lista ha sido Steve Lee, lider y vocalista de la banda sueca Gotthard.
Steve Lee falleció el 5 de octubre de 2010 en Nevada (Estados Unidos) al verse envuelto en un cúmulo de trágicas sincronías.
Lee estaba llevando a cabo uno de sus sueños de toda la vida aprovechando un descanso de la gira mundial de Gotthard. Estaba recorriendo en moto las carreteras de Estados Unidos junto con un grupo de amigos entre los que se encontraban su novia y el bajista del grupo. A unos 100 km de Las Vegas abandonaron la autopista ya que llovía abundantemente y se querían cambiar de ropa en un area de servicio. Un camión que perdió el control se chocó contra las motos de Lee y sus acompañantes y una de estas salió despedida e impactó en el cuerpo del cantante. Tras 20 minutos de intentos de reanimarle finalmente falleció.
Gotthard es una banda Sueca que tras 15 años de éxitos en su país y en Alemania empiezan su conquista del resto de europa y el mundo. Les ayuda en gran parte su fichaje por Nuclear Blast y su sonido fiel y gran producción en todos sus discos así como el buen directo de la banda en los que siempre se podía escuchar alguna versión de Deep Purple, Led Zeppelin o The Beatles. Apertura de conciertos para colosos como Bon Jovi y sus colaboraciones con Montserrat Caballé y singles en castellano les allanaron el camino del mercado español.
Aquí os dejamos el videoclip de un single extraido de su disco Lipservice.
Otra vez están aquí las vacaciones y nos vamos de viaje. Para aquellos que allá donde van no pueden estar sin tocar, este año, os presentamos las guitarras y bajos Traveler Guitar.
Desde 1992, Traveler Guitar ha sido la marca líder en el sector de las guitarras eléctricas y acústicas de viaje con escala completa. Durante todos estos años el diseño original ha ido evolucionando para satisfacer las necesidades de toda clase de músicos. Actualmente disponen de la mejor selección de instrumentos de viaje, todos ellos ligeros, resistentes y fáciles de transportar.
Traveler guitar fabrica guitarras eléctricas, acústicas, clásicas con cuerdas de nylon y bajos eléctricos. Son desmontables ocupando aproximadamente el tamaño de una raqueta y traen una funda a medida para transportarlas. Se envian recubiertas de embalaje marítimo para que llegue a nosotros en perfectas condiciones.
Una de las cosas que más me sorprendió, cuando cayó en mis manos por primera vez el modelo acústico, fué que adjuntan un estetoscopio como el que usa el médico para auscultar. Lo conectas a la guitarra y puedes tocar escuchando a través del estetoscopio sin molestar a la gente que tengas al lado, ya sea en un tren, en un avión, o en casa mientras tu familia ve la tele. Otra característica importante es que es una guitarra un 50% más ligera y un 27% más corta que una acústica de tamaño standard.
Eso si, la longitud la quitan del cuerpo ya que el mástil es de escala completa. Esta característica es común tanto en modelos acústicos como eléctricos.
Sus reducidas dimensiones las hacen útiles y cómodas para acompañarnos en nuestro viaje, pero no solo eso, tambien las podemos tener en nuestro lugar de trabajo. Para los huecos que tenga el taxista sin clientes o el dentista sin pacientes. Lo que da más miedo son los pilotos de avión que las tengan, esperemos que solo las toquen mientras repostan combustible en el aeropuerto!
