Ha llegado a mis manos, y sobre todo a mis oidos, uno de los disco mas originales que he escuchado en mucho tiempo. Se trata de No es lo que tu sientes de Space Octopus. La banda liderada por Dann Hoyos nos acerca con los once temas del disco a su propuesta de virtuosismo en dosis apropiadas en la que no están de lado la melodía y el buen gusto.
Para empezar lo hacen con Frio sueño, un tema oscuro y potente de armonía muy estudiada. Continuan con otro buen trallazo como lo es Hazlo otra vez y llega el corte que da nombre al disco: No es lo que tu sientes. Una de las mejores letras del disco y un estribillo tarareable que seguro que hace las delicias del público en directo.
El cuarto tema es un elegante medio tiempo titulado Nada de mi. Puede recordar a cortes delicados al estilo de Shuarma en Elefantes con esas atmósferas tan cálidas. Las voces de Laura Serrano y el propio Dann empastan a la perfección en este tema y en el que le sigue: La vida es así. Tal vez el tema que más pronto se queda en la memoria en las primeras escuchas. Melodías algo más cercanas al pop pero con toda la energía del resto del disco.
El caos es el siguiente corte. Una intro espectacular donde las haya con ese piano añejo y un solo de guitarra muy cuidado y elaborado que va transformándose en un poderoso riff. Le sigue un tema con guitarra funky en las estrofas y con un tapping estratosférico en la intro y estribillos titulado Gente loca. Los siguientes temas, de influencias al estilo Zappa, Enmudecí y El mundo genial dan paso a una preciosa balada semiacústica como lo es Orgullo decepción.
Para terminar le toca el turno a Jackie. Un tema divertido con toque negro y cantado en inglés. Una buena melodía en la intro doblada por un saxo y un buen bajo hacen de este tema un acertado cierre para el disco.
Si te gusta el metal, el pop, el funk, la guitarra instrumental, jazz, rock progresivo… o la mezcla de todo esto No es lo que tu sientes no te va a defraudar.
Para hacerte con tu copia del disco puedes clickar aqui
Hay personas que tienen mágia en las manos y una sensibilidad especial que les hace capaces de hacer pasar a los demas un rato agradable y entretenido con un rotulador, un papel, música y un buen guión.
Se trata de un video donde se representan figuras importantes de la historia de la música en orden cronológico. Es cierto que no están todos los que son pero si son todos los que están y en ese orden. No es una historia de evolución estricta pero si en cuanto a orden de aparación.
A mi me ha entretenido mucho y espero que a vosotros también os haga pasar un buen rato.
Es una obra de Morales de los Rios y en su web puedes ver todos los proyectos que tiene entre manos y varias de sus obras.
Nada mas ver una guitarra o bajo, nos atrae su forma, su color, la forma de la pala, el color del diapasón, el aspecto en general. Pero ¿Que hay debajo de esos barnices y colores?
Lo que voy intentar es explicar cómo están construidos estos instrumentos, las maderas que se usan, las formas de unirlas y las tapas con las que se acaban, después una capa de pintura y barniz, o simplemente barniz de acabado.
Aquí podemos ver un cuadro de las partes de la guitarra y la madera con la que se realiza:
Estas son las maderas que mas frecuentemente se encuentran en la construcción de bajos y guitarras. Y son utilizadas por todas la marcas que hay en el mercado y las utilizan para cualquiera de sus modelos.
Pero como se usan estas maderas, cúal el la forma de construcción de la guitarra del bajo, que formas hay para hacerlo, pues vamos a intentarlo explicarlo de forma gráfica.
Esta sería la primero forma, partiendo de un único pedazo de madera y de mayor dimensión que la guitarra, iríamos esculpiendo la madera hasta conseguir el producto final.
Este sistema es el utilizado por las guitarras de mejor calidad, pero conseguir un buen resultado es más complicado que en otros procesos, ya que la madera si no es de calidad muy óptima con el tiempo podría curvarse.
Se comienza de un trozo de madera ya seco y con las vetas de madera lo mas rectas y paralelas posibles entre si y con la menor cantidad posible. Es decir un trozo de madera así solo se consigue de la parte más exterior de un árbol, y más cerca del suelo, ya que seria la parte mas ancha del árbol.
De esta forma conseguimos mejor tono en la madera, dependiendo de la madera utilizada varia el tono conseguido.
La siguiente forma seria esta:
Otra variante seria, cambiando la posición del taco es decir el de 2 parte ponerlo arriba.
Para poder unirlas hay que dejar completamente lisas las piezas y pegarlas con un potente adhesivo de madera y sujetarlas mediante compresión para conseguir un taco uniforme.
Una vez de conseguir un taco uniforme, como el proceso anterior pasar el plano a la madera y a darle forma.
Esta forma de fabricación suele combinar maderas, la parte de debajo de un tipo y la parte superior de otro que a su vez hace de acabado. La solidez del instrumento es muy grande, y prácticamente no da opciones de deformaciones ya que la estructura conseguida es más fuerte que un único trozo de madera.
Esta opción es muy utilizada por la marca “PRS”.
La siguiente es la opción mas utiliza en el mercado, utilizada por todas las marcas y modelos, el resultado es barato y duradero.
¿ Cuál es la razón de que este sistema sea el más usado?
De un árbol encontrar piezas de madera que sean grandes, que sirvan para la primera forma de construcción, en la segunda forma de construcción, se utilizan la segunda mejores partes del árbol, y en esta opción, se usan los restos de la anteriores, pero eso no quiere decir que sean peores, sino que de una tabla grande igual podría hacerse una guitarra de una pieza pero todavía hay un buen trozo para sacar un taco para hacer otra guitarra, entonces juntando trozos se consigue otra guitarra
Las tapas de acabado, se usan sobre todo para la guitarra que su aspecto final será en madera.
Estas es la forma que más encontramos en el mercado:
Esta manera de construcción es muy económica, ya que se utilizan trozos mas pequeños para la construcción de la guitarra lo que son mas fáciles de conseguir y se utilizan los sobrantes de los demás sistemas, este forma de fabricación, suele estas terminada con tapa de acabado si las vetas de la madera son buenas y si no es así con pintura que puede tener varios colores, por ultimo con unas manos de barniz de protección.
Ahora toca la que sería la última forma dentro de las habituales:
Consiste en varias capas de madera pegadas entre ellas y entre cruzando las vetas de la madera, para conseguir mas robusto el producto final, esta tipo de madera para esta guitarras es de muy poco peso, y de estructura mas blanda, este tipo de instrumentos siempre se acaban con pintura de color y barniz de acabado.
Por último estarían las construcciones que se hacen en varios tipos de maderas, para hacer así guitarras o bajos más artísticos, aquí dejo unas imágenes de alguno de los ejemplos, de este tipo de instrumentos:
Para leer este y otros muchos artículos interesantes puedes visitar la web de nuestro luthier:
Estas navidades los reyes estuvieron de lo mas acertados con sus regalos musicales, especialmente con uno que me entregaron tras su paso por Boston. Se trata de un disco de 2011 pero que aún no había degustado: Hurtsmile, un proyecto nacido de la unión de los hermanos Cherone.
Ademas de su hermano Markus Cherone le acompañan a Gary Joe Pessia y Dana Spellman. El disco suena muy directo y con un sonido mucho mas crudo que otros trabajos en los que ha participado. Los cortes tienen un toque alternativo y acompañado por guitarras bien afiladas de inspiración zeppeliana con progresiones Hardrockeras modernas. Las melodías de voz están muy trabajadas. Oscuro y fresco, intenso y melódico…
Para mi gusto las voces en algunos temas me parecen un poco justas y el otros si que noto a un Cherone pleno y sobrado.
Según avanza el disco se van recargarlo las pilas de los temas y deja ver al descubierto auntenticas perlas en forma de medio tiempos y canciones de rock acústico como Painterpaint y otros cortes me recuerdan incluso a figuras de raíz como Dylan o Young. No me pasa como con otros discos que al final dejan de tener interés y me parece que pierden un poco de fuelle. Este disco mantiene la media del nivel en todos los temas.
Este es el tracklist completo del disco:
01. Just War Theory
02. Stillborn
03. Love Thy Neighbor
04. Kaffur (Infidel)
05. Painter Paint
06. Tolerance Song (Edit)
07. Set Me Free
08. Jesus Would You Meet Me
09. Slave
10. Beyond The Garden / Kicking Against The Goads
11. Just War Reprise
12. The Murder Of Daniel Faulkner (4699)
Este es el videoclip del poderoso tema que abre el disco: Just War Theory
Este corte es una represetnación de los temas mas tranquilos:
En definitiva me parece un disco fresco y variado y muy agradable de escuchar desde la primera escucha.
Muy recomendado.
Os presentamos una interesante página web argentina dedidacada a su estilo universal. Inlcuye partituras, fotos, entrevistas, biografias y audio de todas las obras y artistas indispensables del estilo.
Todo lo que necesitas saber de los músicos, letristas y cantantes representativos de la historia del tango, con una sección de dicada en exclusiva a Gardel. Con una apariencia muy cuidada, tanto es así que no importa que te guste el tango para poder disfrutar de una buena página web.
Os presentamos los talleres de guitarra eléctrica que se van a poner en marcha en 2013 en Bilbao siempre y cuando la profecía Maya, o la interpretación hecha de esta, no esté en lo cierto.
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Hay dos tipos de guitarristas en este mundo: los que tocan con las guitarras que ofrece el mercado y los que tocan con las guitarras que ellos tienen en mente. Estamos de suerte y es que tenemos un fabricante de guitarras clásicas y flamencas que nos da esa posibilidad. Tu pones la idea de la guitarra que quieres y el pone las manos y la madera.
Se trata de Francisco Bros. Fabricante y constructor de guitarras, desde finales de los 50, reconocido por el Gremio de Maestros Artesanos de la Guitarra Española. EnElrincondelsonido.comhacemos que comprar su guitarra sea lo más sencillo posible gracias a la gama de guitarras en venta que disponemos, gama de guitarras limitada que presentamos en esta web, guitarras de calidad contrastada, fabricación artesanal y española con el sello inconfundible del constructor y maestro guitarrero Francisco Bros. Ofrecemos desde la guitarra clásica española de estudio e iniciación, a la de más alta gama de guitarra flamenca, guitarra para niños y guitarras para zurdos. Todas Las guitarras presentadas en esta web son guitarras hechas artesanalmente y te las acercamos para que las puedas admirar o comprarlas directamente.
Además tienes la posibilidad de decidir cualquier detalle de cualquiera de las guitarras expuestas. Detalles como la orientación diestra o zurda, el tamaño de la guitarra, si la quieres electrificada y con que previo la quieres, el lacado que mas te guste brillante o mate, el tipo de madera del cuerpo y de la tapa según modelo, el tipo de clavijero según modelo, con o sin cutaway, el color del tintado anaranjado o amarillento en los modelos de guitarra flamenca.
Por si fuera poco también puedes optar por añadir detalles que no solo harán que tengas la guitarra que quieres si no que tengas la guitarra tal y como la imaginas. Francisco Bros te permite diseñar la forma de la boca de la guitarra que tu quieras. Así se han podido crear modelos tan vistosos como la guitarra de Melendi con la boca en forma de hoja de marihuana. También te da la posibilidad de incrustar tu nombre o el texto que quieras en el diapasón tal y como luce la guitarra de Pablo Motos en el programa de televisión el Hormiguero. También puedes añadir texto o imagen en vinilo en cualquier parte de la guitarra. Es decir, el límite a la hora de tener la guitarra que quieres solo lo pone tu imaginación.
Artistas y guitarristas del panorama musical nacional ya se han hecho con su modelo como son los mencionados Pablo Motos y Melendi pero también otros como Carlos Tarque de M clan, Merche, Angy, Inti Cardoso, Andy y Lucas, Pignoise, El hombre linterna, Carlos Goñi de Revolver, Fondo Flamenco, Melocos… entre muchos otros.
Las guitarras Bros son en definitiva una de las mejores elecciones posibles entre las guitarras clásicas hechas en españa por maestros guitarreros españoles. La madera está cortada aquí, ensamblada aquí y barnizada aquí por personas que saben lo que hacen desde hace muchos años.
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Social Sound es una experiencia nueva e interesante que aglutina de una forma fresca y original el arte, la ciencia y la tencología por un lado con la imagen y el sonido por otro. Los conocimos en una de sus puestas en escena y nos decidimos a contactar con ellos para que conozcais su labor. Al otro lado del teléfono nos atendió Fabian.
¿En qué consiste Social Sound?, para quién no haya oido hablar de vosotros, ¿Cómo le explicarías a qué os dedicais?
Es una iniciativa que nace en 2012 en la que buscamos mezclar arte, tecnología y participación social. Experimentando con contenido audiovisual y programación informática adaptándolo a diferentes espacios u objetos.
Ahora en 2012 nos dedicamos a crear entornos de inmersión interactivos, es decir, hacemos instalaciones y contenido para crear un ambiente que haga que las personas interactuen entre ellas. Creemos que es una buena oportunidad o pretexto para usar los espacios de otra forma.
No nos gusta el término espectador, preferimos que la gente participe y sean los protagonistas de las obras.
¿Quienes formais parte de Social Sound y a qué os dedicais cada uno de vosotros?
Diana Franco, que se encarga de la programación y el contenido visual y yo, Fabian Sounds, que me encargo de las animaciones, música, sonido y programación. Más colaboradores.
¿En qué tipo de producto se plasma vuestro trabajo?
Hacemos aplicaciones e interfaces enfocadas a la interacción ordenador-usuario con fines lúdicos, educativos o artísticos.
Desde que comenzasteis en 2010 hasta hoy, ¿Cuántos trabajos habeis sacado a la luz?
En 2010:
Diferentes trabajos para eventos privados empresariales,
en diciembre hicimos Ez Monokromo en Co Lab Creativity Zentrum, nuestro debut.
En 2011:
En julio en Bakio Sound, que es un festival que se hace en el Bar 101, hicimos unas proyecciones interactivas con unos esqueletos,
Diferentes trabajos para eventos privados empresariales y charlas en el Kursaal de Donosti y en el Euskalduna en Bilbao,
En diciembre presentamos Ametz eta Su bola, cuentacuentos interactivo, en la feria del libro y disco vasco de durango,
En 2012:
En mayo participamos en Alarmarte, que es un maratón de creación con residuos y materiales reciclados en Bilbao,
Repetimos algunas representaciones de Ametz eta Su bola en diferentes colegios,
En junio hicimos una visualización de datos en tiempo real para Hack & Hackers,
En julio hicimos visuales para los directos de mi ex-grupo en México, Ardan,
Y estrenamos una obra de teatro llamada Indar Magikoa en la que nos invitaron a hacer unas escenografías proyectadas.
¿Cómo llevais a cabo vuestros proyectos? ¿Os dicen exactamente cómo lo quieren u os dejan libertad a la hora de desarrollar una propuesta determinada?
Nos gusta colaborar con las personas. Algunas veces nos contratan y otras las producimos nosotros. Estamos abiertos a proyectos, propuestas y retos.
Ya que trabajamos en sitios específicos nos gusta ver el lugar donde trabajaremos y tomamos algunas medidas, hablamos con el técnico o encargado de mantenimiento del sitio, en fin, cosas técnicas. Luego ya depende del objetivo del evento en el que nos contraten y de ahí proponemos ideas. Ya con la idea nos ponemos a trabajar o a componer.
Para el que tenga curiosidad por ver lo que haceis en persona, ¿Teneis fechas de eventos a la vista?
A lo largo del año estaremos presentando Indar Magikoa en diferentes teatros y colegios, en esta obra es en la que hicimos las escenografías o decorados proyectados interactivos.
Y estamos trabajando en algunos proyectos relacionados con la filosofía DIY.
Muchas gracias por tu atención Fabian y os deseamos todo lo mejor.
De nada, y muchas gracias, un saludo y hasta cuando querais.
Para quien quiera saber mas acerca de Social Sound puede visitar su página y contactar con ellos en:
Hoy vamos a hablar del género de música probablemente más popular dentro de toda la música del siglo pasado. La música de la gente “cool”, con tupé, patillas, mucha gomina, la música de los que llamaban a sus novias “muñeca, nena, baby” y se las llevaban a los cines de automóvil al aire libre para intentar llevárselas al huerto. Una música que no pasa de moda y es que como ya lo dijo Neil Young “Rock and roll will never die”.
Un estilo que nace de todo el popurrí de músicas que a mediados del siglo pasado se estaban dando en Estados Unidos: jazz, blues, country, gospel, rockabilly, rhythm and blues etc. Aunque a parte de la música en sí, lo que hizo que este estilo despuntara por encima de todos los demás fue la revolución social que supuso.
Una sociedad muy religiosa, y con tantos tabúes y miedos hacia el libertinaje, se vio corrompida por una música cuyas letras hablaban de hacer el amor en mil posiciones, y cuyo baile tenía a todas las madres con hijas jóvenes atemorizadas. “Es la música del diablo” decían muchos. La gente joven tomo esta música como bandera de su libertad y hasta el día de hoy el rock and roll ha sido insignia de todo tipo de revoluciones juveniles.
Como siempre vamos a analizarlo en cuatro apartados: estructura, armonía y melodía, ritmo y estilos.
ESTRUCTURA
El rock and roll sigue la estructura del blues de manera bastante fiel. (Mirar artículo sobre el blues en la revista nº20) Sobre todo el ciclo de 12 compases.
“Do you wanna dance?”de Bobby Freeman interpretada por Cliff Richards and The shadows.
Y como dijimos en el blues, ahora es cuestión de mezclar uno con otro y hacer tantas variaciones como queramos. Ejemplo de 8 compases+12 compases la masterpiece de Jerry Lee Lewis
Después, a medida que el tiempo avance, también surgirán otras estructuras que no siguen estas pautas, ni ninguna en concreto, más que la que la propia canción en concreto le exige. Dependerá de la propia composición del autor.
ARMONIA
En lo que a la armonía corresponde, hay que destacar que la mayoría de temas están compuestos en tonalidades mayores y que siguen las reglas básicas de los movimientos armónicos en la música tonal (I-IV-V). Sin embargo, en el rock and roll más tradicional, se tiende a utilizar acordes dominantes en cada grado, característica heredada del blues en tonalidad mayor (ver revista nº20).
Las progresiones y movimientos de acordes tienden también a ser iguales que las que vimos en el artículo sobre el blues mayor (revista nº20). En muchos casos, se podría decir que el rock and roll fue una aceleración de los blueses en tono mayor, sobre todo si nos fijamos en el estilo de Jump blues:
Después comienzan a nacer otros estilos de rock and roll, como el doo wop, y se introducen acordes como el VIm y el IIm. Se introducen también armonías vocales, uno de los rasgos que más caracterizará este estilo. En el siguiente ejemplo podemos ver como comienza a darse esta evolución.
La melodía básica del rock and roll es muy similar a la del country pero con detalles y un feeling que los distancia en cierta manera. En el rock and roll los solos se tocan de manera más agresiva en cuanto a lo que la mano derecha corresponde. Siempre con púa, con muchos double stops y sin la necesidad de recurrir tanto a cuerdas abiertas. De todas maneras, para tener un buen sonido rock and rollero en vuestros solos, lo mejor que podéis hacer es lo siguiente: escuchar a Chuck Berry y… ¡haced lo que él hace!
Las escalas más utilizadas son:
1) Eentatónica mayor: R 9 3 5 13
2) Escala country: R 9 b3 3 5 13
3) Escala mayor diatónica: R 9 3 11 5 13 7
4) Escala de blues: R b3 11 b5 5 b7
Sin embargo, esta no es una música en la que deberíais estar pensando en notas o escalas. Podéis tocar todas las notas correctas y sonar fatal, lo que hace falta en esta música es agresividad, convicción y si lo hacéis con notas que no corresponden sonareis mejor que con las que sí… Los solos de este estilo necesitan actitud más que teoría. Si pensáis mucho, erraréis.
Lo que menos importa es una nota fuera de tono o un desafine…
Ahora vamos a ver algún lick al estilo de Chuck Berry para que os familiaricéis un poco con el sonido. Están todo
Lick 1)
Lick 2)
Lick 3)
Lick 4)
Lick 5)
Chuck Berry juega mucho con las terceras, es uno de sus rasgos más característicos. Echad un ojo al siguiente video si queréis seguir sacando licks de este estilo.
En lo que al ritmo corresponde, todos los temas de rock and roll tienen unas características comunes bastante marcadas. Todas las canciones suelen ser bastante rápidas, y el peso rítmico recae sobre los tiempos 2 y 4, marcados por el batería con la caja. A continuación vamos a analizar distintos ritmos que se han utilizado en diversas composiciones.
1) Straight 4 o “corcheas rectas”:
Un 4/4 normal con su acentuación correspondiente sobre los tiempos 2 y 4.
Tal y como el nombre indica son canciones en las que la acentuación se da cada dos tiempos y en ambos tiempos con la misma intensidad, no como en el 4/4 que el 2 es siempre ligeramente más débil que el 4.
Un ritmo atresillado y lento para canciones más pausadas. Baladas más típicas ya de la época doo wop pero que también podemos encontrar dentro del repertorio de gente como Fat Domino:
Está basado en un ritmo a corcheas en el cual la primera dura más que la segunda. Podría interpretarse como un ritmo de tresillo de corchea de una negra+una corchea:
Sin embargo, no es una medición exacta, y una vez más depende del feeling de cada artista. Algunos prolongan más la primera corchea, otros menos.
Es un tipo de rock and roll con una gran carga de armonías vocales. Las bandas tienden a estar lideradas por un cuarteto vocal. Las voces imitan también sonidos de instrumentos. En este estilo no se tiende a seguir las progresiones de acordes típicas en el blues. Se introducen el IIm y el VIm.
Es un estilo que se caracteriza por el uso de reverb, de la palanca de tremolo, otros efectos de tremolo y la técnica de púa trémolo también. Hay dos variantes de este estilo: la música instrumental y la que tiene también una parte vocal más influenciada por el doo wop. Esta música puede tener un cierto toque latino por la influencia de México. Sobre todo la instrumental.
Es un tipo de rock más crudo, con menos arreglos. Los grupos de este estilo tienden a mantener la formación básica de guitarra, bajo y batería. Se podría decir que es un rock un tanto amateur. Los primeros pasos hacia lo que sería el punk o el indie.
Es un rock más rural, con un cierto toque country. El cantante se convierte en un contador de historias y hay menos uso de instrumentos eléctricos. Es bastante común escuchar panderetas en este tipo de música para darle mayor peso a la poca presencia de instrumentos eléctricos. Las letras toman una carga bastante importante.
Y así, muchos más… Es muy complicado delimitar hasta donde una canción pertenece a un estilo o a otro. Algunos dicen que Led Zeppelín es rock and roll, otros prefieren llamarlo heavy-rock, unos dicen que AC/DC es rock and roll, otros que heavy-metal. Lo importante aquí es escuchar y apreciar la influencia del rock and roll en todos estos estilos. Después también, cada uno puede analizar cómo el rock and roll ha influenciado prácticamente todo el resto de música que ha surgido después de él. Pero eso, ya os lo dejo a vosotros.
Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.
La infinita explanada del auditorio John Lennon de Getafe acogió el pasado 26 de Mayo un intenso concierto a cargo de cuatro tipos duros de Los Angeles que se hacen llamar Metallica.
Actuaron como cabezas de cartel del festival Sonisphere 2012 y nos ofrecieron un recital protagonizado por las joyas de su mítico disco “Metallica”, mas conocido como “black album”. Sin duda para muchos es el disco mas redondo de la banda y cuenta con una producción a cargo de Bob Rock que sentó cátedra en su momento. Las ventas, la gira mundial de 3 años, los estadios repletos y la infinidad de bandas con riffs clónicos de los de este disco así lo atestiguan.
La tarde soleada se fue despidiendo para dar paso a la actuación de Metallica una vez que acabó la de Slayer. Para entonces ya no cabía ni un alma sobre el asfalto ya que todo el público custodiaba su lugar desde el que ver el concierto, salvo alguno que pretende atravesar la multitud desde los puestos de bocadillos a eso de 1 Km de distancia. Y llegó el momento deseado tras las pruebas de sonido particulares. Las pantallas gigantes comienzan a proyectar las imágenes de “el bueno, el feo y el malo” con la mítica cinta sonora de Ennio Morricone “Ecstacy of Gold” como habitual apertura de los conciertos de la banda. Todo el mundo permanece atento e hipnotizado hasta que la banda rompe con el primer tema de la noche: “Hit the lights”. Perdimos la apuesta tanto yo como un desconocido que estaba a mi lado. Yo me la jugué a que abrirían con “Creeping Death” y el decía que con “Enter sandman” pero ninguno de los dos estuvimos finos. El segundo tema de la noche fue un “Master of Puppets” muy subido de tempo respecto al disco para hacerlo mas intenso aún y tras el llegaron “ The shortest straw”, “For Whom The Bell Tolls” y “Hell and Back”. Tras este quinteto de apertura llegó un pequeño parón. La banda se retira y la superpantalla de la parte trasera del escenario nos ofrece un documental con imágenes de la banda de la época en que se editó el homenajeado “Black album”. Reaparece la banda y lo hace con el disco íntegro pero, según nos fuimos dando cuenta, tocado desde la última canción hasta la primera. Así que reabrieron con “The Struggle Within”. Ya había comenzado este homenaje particular que hace la banda tocando cada disco al completo al cumplirse 20 años de su publicación. Esto es algo que los hace grandes ya que podrían conformarse con hacer giras cada disco nuevo tocando los temas de siempre añadiendo 2 o 3 del nuevo disco. Pero no, Metallica son unos trabajadores natos del rock y forjan su nombre en cada concierto que hacen. Siguieron con “My Friend Of Misery”, “The God That Failed” y “Of Wolf And Man” hasta que llegó uno de los momentos álgidos de la noche con “Nothing Else Matters”. El conocidísimo tema que por mucho que se versionee nunca sonará como ellos saben hacerlo sonar. Un temazo con una fuerza increíble para ser una balada y que además contiene uno de los mejores solos de la banda y que sin duda cualquier guitarrista tendría que aprender a tocarlo antes de morir. Tras lo cual siguieron con unos cuantos trallazos “Through The Never” y “Don’t Tread On Me”.
Con la intro de “Wherever I May Roam” me entró la duda de si lo que escuchaba era la guitarra ESP mummy de Hammet ya que lo que mas se oía era a la gente tarareando el riff. Es algo común durante todo el concierto que la gente no se limite a cantar las letras sino que canta hasta los breaks de batería pero con las intros de guitarra sola y semilimpia es cuando mas se nota. Pasada ya la mitad del concierto llegó el turno de otro tema relajado como es “The Unforgiven” con esa intro de e-bow en modo ambientación. Después “Holier Than Thou” seguido de un temazo: “Sad But True”. Trash puro y con ese silencio de algo más de un compás en medio de la intro que añade una tensión extra a un riff ya de por si demoledor. Además contiene uno de los solos mas interesantes de Mr. Kirk con ese quinto modo de la escala menor armónica que le da un toque tan exótico. Y llegó el que seguramente sea el tema más popular de la banda. Versioneado por gente de primer nivel y cualquier estilo e interpretado en millones de locales de ensayo y en directos de bandas nóveles. Estamos hablando de “Enter Sandman”. La banda hizo las delicias del público especialmente en este tema con unos juegos de luces muy acertados que recordaban al videoclip original del tema cosa que también se hizo a lo largo del concierto. Además era muy vistoso ver a los músicos en el escenario elevado con sus imágenes de fondo en la pantalla gigante mas las proyecciones de partes de videoclips y demás. Todo un lujo. Un riff brutal, melodía de voz sin fisuras, breaks de batería y pegada muy acertadas, juegos corales con el respetable y un solo de guitarra con wah-wah muy digno hicieron de este tema un colofón sin igual al repaso del mítico álbum homónimo de la banda. Y desaparecieron.
Eso si, allí nadie nos movimos aunque sobrevolaba por las cabezas de los allí presentes la duda de si no tocarían mas tiempo por ser parte de un festival. Pero no tardó mucho en quedar claro que aunque toquen en un festival Metallica siempre hace su concierto con su sonido, su escenografía, sus medios y su repertorio aunque pasen de las dos horas. Así que llegaron los bises. El primero de los cuales fue “Battery”. Le siguió la legendaria “One” llena de pirotecnia, cohetes y llamaradas gigantes sincronizadas con la batería de Ulrich para calentar al público por si alguno tenía frío. También navegó sobre la marea humana una colección de balones hinchables gigantes de color negro con el logotipo de la banda mientras en el escenario Robert Trujillo nos deleitaba con sus “molinillos”. Y el tema de despedida fue “Seek & Destroy”. Coreado y disfrutado por todos fue un digno telón. La banda se mostró muy agradecida. Los cuatro pasaron por el micrófono y Trujillo lo hizo en su español materno. Ulrich repartió baquetas, apretones de mano y chorros de agua que lanzaba con su boca (¿De verdad piensa que a alguien le gusta que le riegue así?). Kirk y James lanzaron algunas púas a los afortunados de primerísima linea y aquí acabó esta noche de Metallica en la que se repartió metal de lo lindo. Puede que no sean los mas técnicos como se les critica por parte de algunos sectores metálicos muy obsesionados con la técnica purista, sobre todo a Kirk Hammet y Lars Ulrich, pero tienen algo que pocos tienen. Tienen una dedicación exagerada a su público, como regalar conciertos con discos íntegros cuando se cumplen 20 años de la publicación; tienen una colección de canciones que siguen sonando muy frescas y muchos repertorios posibles (oye, ¡que un concierto basado en Load y Reload sería muy distinto pero no estaría nada mal!); y tienen contundencia en el escenario, para lo cual la técnica no lo aporta todo y si que hacen falta otras cosas que otros grupos muy técnicos no tienen y así les lucen los directos. En definitiva un gran concierto. Así lo reconocimos tanto yo como el desconocido de al lado, con el que aposté al comienzo del concierto, al despedirnos con un apretón de manos. Quizás nos volvamos a ver en un concierto de Metallica por el 40 aniversario del “Black album”.
Gracias a Last Tour International por las fotografías.
