Casio especial navidad 2012 y 3 meses, 3 Casio, parte 3

Lanzamos una oferta especial para estas navidades. Hasta el 5 de Enero puedes hacerte con tu KIT de Casio CTK-7000 + Micrófono + Píe de Micrófono + Pinza de Micrófono. Es decir, todo lo necesario para poder hacer tus grabaciones de voz sobre tu temas acompañándote del teclado o de una base de audio externa.

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El teclado CTK-7000 graba tu voz, lo que entra a través de tu MP3 por la entrada de audio y lo que tocas simultáneamente. Queda registrado en la tarjeta de memoria y ya tienes tu canción. Con este teclado y el micrófono y accesorios complementarios ya tienes todo lo necesario para grabarte en tu casa.

Para ver las caractesísticas del teclado y hacerte con el tuyo hasta el 5 de Enero puedes visitar el siguiente enlace:

CASIO CTK-700 KIT Navidad 2012

Por otro lado este mes de Noviembre termina la promoción especial de Casio, 3 meses 3 Casio con el último artículo en promoción. Se trata del teclado Casio CTK-300 a 179 € y la versión en KIT con soporte, pedal de sustain y adaptador de corriente a 199 €.

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Recuerda que si compras algún producto de CASIO entrarás en el sorteo de un cheque regalo de 300 € en tu tienda habitual.

3 meses, 3 Casio, parte 2

Hemos finalizado el mes de septiembre y con él la primera parte de la promoción de la campaña especial de Casio 3 meses 3 Casio.

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La promoción ha sido un éxito de participación, habiéndose regstrado para el sorteo de los 300 € algo más de 500 personas.  El afortunado ganador de dicho corteo ha sido el Sr. Serafín Arriaza.

Para este segundo mes de la promoción el piano protagonista es el Celviano AP – 200 a un precio final de venta de 850 €.

Recuerda que en www.3meses3casio.com se sorteará un cheque de 300 € canjeable por instrumentos en tu tienda favorita.

Puedes ver las características del teclado y hacerte con el tuyo en las siguientes direcciones:

Teclado Casio Celviano AP 220

Analizando géneros: El Funk

A la gente le gusta bailar y poder seguir una canción mientras mueve la cabeza. A la mayoría de la gente que escucha música le causa una supina indiferencia que uses el modo mixolidio o el modo supercalifragilístico.

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Uno de los aspectos más importantes y menos estudiados dentro de la guitarra es el ritmo. Tanto en labores de guitarra puramente rítmica como dentro del fraseo solista.

Una persona con un buen sentido del ritmo puede poner a bailar a toda una sala tocando dos notas y sin usar alteraciones, y alguien que sabe todas las escalas e incluso ha descubierto nuevos y alucinantes modos de la música neozelandesa del siglo II antes de cristo, puede aburrir y no mover a nadie.

Volvemos a lo de siempre, hay que saber sentir el ritmo de la música, y después aplicar todos esos modos y escalas. Si no escuchamos donde golpea el plato el batería, donde hay un silencio etc. podríamos estar construyendo una parte de guitarra que va totalmente cruzada con el groove general de la canción. Para ello, hoy vamos a estudiar uno de los estilos que pone a bailar a toda la sala cada vez que suena: el funk.

Vamos a continuar en la misma línea que con el blues y vamos a dividir el estudio en: estructura, armonía y melodía, ritmo y estilos.

ESTRUCTURA

Lo importante de la estructura del funk más primitivo es que no hay ninguna necesidad de tener una específica. De hecho, si escuchamos a James Brown en, por ejemplo, “I got the feeling” los músicos cambian de la estrofa al estribillo, unas veces, cuando grita (3:30) y otras, cuando salta o levanta la mano. Es una música en la que, muchas veces, tenemos que seguir lo que el cantante siente, a no ser que se haya acordado de otra manera previamente. Existe una estrofa, estribillo, puente etc. pero tiende a no haber un número específico de repeticiones de estas y ser el cantante el que marca los cambios.

Sin embargo, a pesar de que el funk tiende a no tener una estructura establecida, como sí que lo hace el blues, por ejemplo, se le puede aplicar estructuras de esta u otras músicas. Ya hablamos del “funk blues” en los números anteriores.  

El elemento que hace que una canción sea funky es el ritmo. El funk más tradicional tiende a no tener una estructura específica, pero podemos tomar un Standard de jazz, respetar al máximo su estructura y hacerlo en un estilo funky si le aplicamos un ritmo de tipo funky. Hablaremos más de esto en el apartado de ritmo.

ARMONÍA

Los cambios armónicos no son tan importantes en el funk tradicional, pero a pesar de ello los acordes que se utilizan suelen incluir todo tipo de extensiones más típicas, por ejemplo, del jazz . La diferencia es que se utilizan como acordes estáticos sobre los que se ejecuta un ritmo, no como las típicas progresiones de jazz donde se cambia de acordes constantemente.

Las canciones de funk tradicionales tienden a estar en el modo mixolidio o en el modo dórico. Sin embargo, como ya hemos dicho, será el ritmo lo que determinará la cualidad funky de un tema, no la armonía ni las progresiones.

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En la guitarra se tiende a marcar más las primeras cuerdas, e incluso a simplemente tocar las 3-4 primeras. Se suelen realizar arreglos sobre los propios acordes que estamos tocando, añadiendo y quitando la 13, por ejemplo, o con pequeños licks y fraseos. Esto se puede apreciar perfectamente en “Sex machine” donde el guitarrista toca un acorde 9 con la quinta arriba y la sube a la 13 en cada tercer tiempo del compás, para volver a la 5 en la última semicorchea del mismo.

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Fijaos también en lo comentado sobre la estructura, y como James Brown les grita “¿Vamos al puente? Venga, al puente” y es ahí termina la estrofa para pasar al puente.

Estos son algunos de los acordes más comunes que intentan ceñirse a las 3-4 primeras cuerdas:

  • Menores:

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  • Dominantes:

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La lista sería interminable. Aquí hemos visto los acordes más típicos del funk más tradicional, tipo James Brown. Como regla general puedes utilizar cualquiera de los que ya sabes tocando sólo las 3-4 primeras cuerdas. Si quieres encontrar acordes de otro tipo con otros voicings como estos (mayores, disminuidos etc.) te fijas en los que acabamos de ver, los modificas ¡y te los curras tú! Lo importante es adaptarlos a las cuerdas más agudas y seguir las reglas generales de armonía teniendo en cuenta que la 3, la 7, y las tensiones son las más importantes si has de dejar alguna fuera.

MELODÍA

Como venimos diciendo todo el rato, se puede aplicar un ritmo funky a cualquier armonía y melodía, pero si hablamos estrictamente del funk más tradicional, la melodía tiende a ser una mezcla del modo dórico o mixolidio con la escala de blues. Sin embargo, una vez más, lo importante es que la melodía siga el ritmo de la canción. Fijaos en este video de Victor y Regi Wooten. Las notas que tocan es casi lo de menos mientras alguien toque la tónica de vez en cuando. Lo importante es el groove, la calidad rítmica de lo que improvisan. 

Lo más importante es que la guitarra es usada como un elemento percusivo y hay que mantener el groove vivo, no hay grandes cambios melódicos ni armónicos entre las partes. Eres un elemento rítmico, no importa cuantos licks alterados te sepas. Sigue el groove de la banda.

En la construcción de un solo podríamos subrayar el uso de las octavas (2:30 en el video de abajo) y las popping lines así como la importancia de los cambios de dinámica y acentuación en la mano derecha. Este video didáctico al estilo de  David Williams es un buen ejemplo de todo ello.

RITMO

Llegamos, por fin, a la raíz más profunda de lo que es el funk: el ritmo. El funk se basa, principalmente en la subdivisión en semicorcheas de cada pulso del compás. Tenemos que ser capaces de marcar cada pulso con el pie mientras tocamos cuatro semicorcheas sobre cada uno de ellos, hacia abajo y arriba alternativamente.

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Es también muy importante marcar bien la acentuación de cada figura con nuestra mano derecha. A partir de esto, van a surgir todos los demás ritmos que vamos a tocar.

Intenta tocar esto sobre las cuerdas muteadas con tu mano izquierda y después utiliza estos dos recursos para hacer variaciones en el ritmo:

  1. Cambia el acento de lugar.
  2. Pon silencios.

Y recuerda que la mano derecha debe moverse abajo y arriba como un reloj y que a pesar de que haya un silencio continuará moviéndose. La diferencia es que donde haya silencio la mano no golpeará las cuerdas, pero seguirá yendo para abajo o para arriba según lo que le toque.

Algunos ejemplos:

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El siguiente paso sería tocar un acorde sobre las figuras y cambiar los silencios por tocar las cuerdas muteadas con la mano izquierda, un recurso muy utilizado en el funk. Para ello escoge uno de los acordes vistos en el apartado de armonía.

  • Con cuerdas muteadas en silencios.

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Después puedes modificar las figuras rítmicas, añadir tresillos etc, pero esta es la base de prácticamente todas las canciones de funk y lo que hará que un tema pueda ser catalogado como funky.

Otra de las características más importantes del funk es la importancia de los pulsos 1 y 3. El soul acentuaba más en el 2 y el 4 y fue sobre todo James Brown el que comenzó a introducir ritmos acentuados en el 1 y el 3.

La idea es que adquieras un vocabulario rítmico que te permita, a la hora de escuchar una canción, aplicar distintos patrones e improvisar sobre la guitarra como si de un instrumento de percusión se tratara. Esto no sólo enriquecerá tu rítmica en el funk, sino que a la hora de hacer solos también tendrás un mayor abanico de frases rítmicas a seguir sin que pierdas el groove de la canción. Una vez que los ritmos están interiorizados te saldrán de forma natural, porque los sentirás.

Intenta crear 10 ritmos distintos y después tocar un compás de cada uno con un metronomo, sin perder el ritmo. Esta información rítmica se grabará en tu oído musical y saldrá cada vez que toques, de forma natural.

Por último, es también importante subrayar el abundante uso del wah-wah, tanto para las partes rítmicas como solistas. Con el wah-wah abierto o cerrado podremos también dar otra perspectiva nueva a nuestras variaciones en cuanto a acentuación y dinámicas.

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ESTILOS

Como nos hemos cansado a decir a lo largo de todo el artículo, se puede aplicar un ritmo de funk a cualquier estilo de música, por lo que encontramos una infinitud de variaciones estilísticas en temas funk. Es más fácil pensar en el funk como un concepto rítmico aplicable a todos los demás estilos existentes.

Voy a repasar, sin embargo, los más característicos o los que más fama han adquirido:

1)Funk rock:

Es un estilo compuesto por una base rítmica de funk a la que se le añade una guitarra más rockera normalmente con distorsión.

Ejemplos:
“Freedom”- Jimi Hendrix

“Sail away”- Deep purple

2)Punk funk:

Es un estilo compuesto por una base rítmica funky con guitarras rápidas y más saturadas que el funk rock. No utiliza acordes con extensiones y suele limitarse a quintas normalmente.

Ejemplos:
“Gotta stay focused”- Adequate seven

“We got soul”- Big Boys

3)Funk disco:

Es un estilo con base rítmica de funk y que añade sintetizadores, simples y otro tipo de sonidos más característicos de la música disco.

Ejemplos:
“Car Wash”- Rose Royce

“Heart of glass”- Blondie

4)Funk metal:

Estilo con ritmo funk y riffs pesados de guitarra, con mucho bajo y distorsión.

Ejemplos:
“Love rears its ugly face”- Living colour

“Killing in the name of”- Rage against the machine

Y para su disfrute un par de temas quizá no demasiado expandidos en el mundo del funk pero que son a mi parecer, obras de arte:

“Todo pa la pachamama” O´Funk´illo: Funk y flamenco, ole.

“Habaneando” De la BSO de Habana Blues: Funk rock y percusión cubana.

Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.

Para ver más artículos y descargar la revista completa puedes ir a Cutaway Guitar magazine.

El Funk.

David “Buke” Vila.

3 meses, 3 Casio

Casio pone en marcha una iniciativa en la cual cada uno de los 3 siguientes meses uno de sus productos sufrirá una suculenta rebaja.

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La promoción comienza este mes de septiembre y durante todo el mes puedes adquirir el teclado Casio Privia PX 130, con o sin mueble ya sea en blanco o negro, al precio de 535 € o 599 € respectivamente. Además, entre todos los que compreis el teclado y os registreis en la web de Casio www.3meses3casio.com se sorteará un cheque de 300 € canjeable por instrumentos en tu tienda favorita.

Puedes ver las características de cada teclado y hacerte con el tuyo en las siguientes direcciones:

Teclado Casio Privia PX 130

Teclado Casio Privia PX 130 KIT con mueble

Nuevas pedaleras Zoom signature Kiko Loureiro y Dave Mustaine

Zoom se ha juntado con el guitar hero brasileño Kiko Loureiro (Angra) por un lado y con Dave Mustaine (Megadeth, ex Metallica primerísima época) para dar a luz sendas pedaleras signature.

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El resultado ha sido dos procesadores de efectos robustos y compactos como es el Zoom G2.1 Nu con 50 efectos manufacturados por cada uno de los guitarristas. Los otros 50 efectos que completan los presets los ha elegido cada uno de los que trae originalmente el G2.1 Nu. En ambos casos se han preocupado de obtener efectos de su sonido propio, tanto para rítmicas, para sonidos solistas, con efectos que usan habitualmente e incluso para sonidos límpios. Como en el caso de la de Kiko Loureiro que trae un preset especialmente pensado para bossa.

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Además traen regalos. En el caso de la Zoom de Mustaine viene acompañada por una púa personalizada, una postal y una réplica del pase de backstage de la gira de Megadeth “Peace Sells… But Who’s Buying”. La de Kiko viene acompañada de una púa personalizada y una postal.

Para más información y hacerte con la tuya puedes visitar los siguientes enlaces:

Zoom G2.1 Signature Dave Mustaine.

Zoom G2.1 Signature Kiko Loureiro.

En el video podemos ver la presentación del propio Dave en el NAMM 2011.

La maldición de los 27 años

Ha vuelto a ocurrir. Una vez más nos deja antes de tiempo un artista del panorama musical y además a los 27 años de edad. Esta vez ha sido Amy Winehouse.

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El pasado 23 de Julio de 2011, supuestamente a causa de una sobredosis, la chica mala del Soul se ha sumado al club de los músicos fallecidos a los 27 años. Ha muerto sola cuando más acompañada tenía que haber estado ya que supuestamente la apartaron de la gira para ayudarla a volver a los escenarios a dar la mejor y más digna versión de Amy. Pero estaba a solas con la peor compañía que podía tener, ella misma.

Acaba así una historia de talento, polémica y autodestrucción. Con solo dos discos de estudio, y uno tercero pendiente de editarse ya como póstumo, está ahora a la espera de ver si se convierte en leyenda o no.

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El club de los que viven rápido, mueren jóvenes y dejan un bonito cadáver (James Dean) lo forman una larga lista de ilustres, y no tan ilustres, figuras de la música rock y derivados. A todos nos viene a la cabeza Kurt Cobain que revolucionó el panorama del rock con su grunge. Líder de Nirvana, banda en la que reclutó a la batería a Dave Grohl (Foo Fighters), y creador de himnos del rock como “Smells like teen spirits” murió en 1994 de un disparo en la cabeza. Supuestamente suicidio pero aún se sigue debatiendo sobre si hubo algún asesinato enmascarado.

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El abuelito Hendrix murió allá por 1970. Ahogado en su propio vómito tras quedarse dormido en el sofá habiéndole sentado mal el vino que tomó en la cena con los medicamentos que justamente estaba tomando. Fué en su apartamento de Londres donde aprovechaba a mantener veladas tranquilas. Si se excedía pero no la noche en la que murió. También publicó muy pocos discos de estudio en solitario antes de morir, como Amy. Solo edito tres y el cuarto lo dejo preparado y se editó ya postumamente. Y después una infinidad de refritos, nuevas mezclas, directos (algunos con otros artistas del club de los 27)… El revolucionó la historia de la guitarra eléctrica y rock, su influencia sigue latente en nuestros días y sus temas siguen siendo actuales.

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El mismo año murió Janis Joplin, la reina del rock and roll. La hippie de voz rotísima murió por una sobredosis de heroína. Un año más tarde le llegó el turno a Jim Morrison. Cantante, poeta, actor y, por supuesto, vocalista de los Doors. Apareció muerto en su bañera y supuestamente no se hizo una autopsia que diga las causas de su muerte, aunque se cree que pudo ser por su adicción al alcohol.

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También conocido es el caso de Brian Jones. Fué el multi-instrumentista miembro fundador de los Rolling Stones. Abandonó la banda por roces y discrepancias con Jagger y el multi-tóxico Keith Richards. Al de poco tiempo apareció muerto en su piscina en 1969.

La lista continua con personajes no tan conocidos como Kristen Plaff. Fué la bajista del grupo Hole, banda de la ex-viuda de Kurt Cobain, Courtney Love. Con problemas con la heroína ya de antemano, cayó en una depresión a raíz de la muerte de Kurt Cobain con el que tenía una buena relación y al que admiraba. Apareció muerta en 1994, poco después que Kurt, por sobredosis de heroína.

El rey del Delta blues, Robert Johnson, con un registro de tan solo 29 canciones es una de las principales influencias de artistas como Clapton, Hendrix o Dylan.  Se cuenta que vendió su alma al diablo y este se la cobró en Misisipi en 1938. Lo que no se han puesto de acuerdo es si se la cobró mediante neumonía, sifilis o por envenenamiento.

Para seguir con la lista con miembros no tan conocidos empezaremos con el curioso caso de Richey James Edwards. Guitarrista, letrista y compositor de la banda Manic Street Preachers. No se sabe aún a ciencia cierta si pertenece al club ya que no hay cadaver y si no hay cadaver no hay muerte. Pero tras su desaparición en 1995, las autoridades britanicas lo han dado por muerto en 2008.

Sean Patrick McCabe (cantante de Ink & Dagger), Jeremy Michael Ward (The Mars Volta y De Facto), Rudy Lewis (vocalista de The Drifters), Jean-Michel Basquiat (de Gray), Bryan Ottoson (guitarrista de American Head Charge), Mia Zapata de The Gits (violada por dos hombres sin identificar, murió por las lesiones internas sufridas),  Louis Chauvin (miembro fundador del club de los 27), Linda JonesDave Alexander (bajista original de The Stooges), Leslie Harvey (guitarrista de Stone the Crows, se electrocutó durante una actuación), Pete de Freitas (batería de Echo & The Bunnyme, murió mientras grababa un videoclip), Jesse BelvinChris Bell (guitarrista y cantante de Big Star), Jacob Miller (cantante de Inner Circley),  D. Boon (guitarrista de Minutemen)… completan la lista y seguramente se quede alguno en el tintero.

Los músicos que ya hemos superado los 27 años podemos dormir tranquilos.

Nuevo POD HD de Line 6

Parece que Line 6 revoluciona nuevamente las simulaciones de amplificador. Esta vez no es lo que venían haciendo ultimamente con los anteriores POD, que era presentar aparatos con distintas prestaciones, según el precio, pero con pocos cambios en la tecnología de simulación.

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Ahora presentan el nuevo POD HD con nuevas simulaciones HD, nuevos amplificadores simulados y nuevos efectos. Los  modelos de amplificador simulados están basados en los siguientes amplificadores:

  1. Bogner® Uberschall
  2. Divided by 13 JRT 9/15
  3. Dr. Z® Route 66
  4. ENGL® Fireball 100
  5. Fender® Bassman®
  6. Fender® Bassman® (canal “brillante”)
  7. Fender® Blackface Deluxe Reverb®
  8. Fender® Blackface Deluxe Reverb® (canal “vibrato”)
  9. Fender® Twin Reverb®
  10. Fender® Twin Reverb® (canal “vibrato”)
  11. Gibson® EH-185
  12. Hiwatt® Custom 100 (DR103)
  13. Line 6 Elektrik
  14. Marshall® JCM-800 (2204)
  15. Marshall® JTM-45 MkII
  16. Marshall® JTM-45 MkII (canal “normal”)
  17. Mesa/Boogie® Dual Rectifier®
  18. Park 75
  19. Park 75 (canal “normal”)
  20. Supro® S6616
  21. Vox® AC-15
  22. Vox® AC-30 (Top Boost)

Como en el modelo anterior, no solamente viene acompañado de efectos si no que presenta simulaciones de pedales de efectos clásicos como el Tube Screamer de Ibanez o el Whammy de Digitech.

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Tiene conexiones de E/S para enviar tonos HD a tu DAW por USB, envía una señal digital de 24 bits por S/PDIF o  por salidas balanceadas estéreo de 1/4 “. Conecta tu guitarra a la entrada jack mono y un micrófono a la entrada XLR (con la perilla de ajuste dedicada). Conecta un controlador de pedal Line 6 FBV™ MkII para cambiar de tono mientras grabas o tocas en directo. Usa la salida de auriculares para no molestar si tocas a deshoras. Se vuelve a presentar como el complemento idóneo para las grabaciones semiprofesionales en casa.

Diseño sólido y robusto y con muchos accesorios aliados para lo que puedas necesitar.

Para más información técnica y escuchar las simulaciones a través de samples de guitarras reales pulsa aqui.

Para hacerte con el tuyo pulsa aqui.

200 watios en la tartera

En la tartera donde llevas el almuerzo al trabajo ahora puedes meter 200 watios de potencia. ZT ha creado el amplificador pequeño más potente del mercado.

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Se trata del amplificador ZT Lunchbox. Un pequeño amplificador de tan solo  192 mm x 250 mm x 112 mm y 4,3 kg de peso. Construido con transistores, en clase A/B y con un altavoz de 6,5″ es un amplificador ideal para tocar en casa ya que lo puedes guardar en cualquier sitio.

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Al contrario de lo que pueda parecer es un amplificador con presencia de sonido. Lo normal con los amplificadores pequeños es que el sonido se te quede pobre como el de un radiocasette, sin apenas presencia. Además, si aun necesitases más, dispone de una salida para conectarlo a una pantalla adicional del mismo tamaño.

Para más información puedes pulsar el siguiente enlace:

ZT Lunchbox

En el siguiente video puedes ver una presentación del amplificador y puedes escuchar cómo suena.

Framus Streetwalker: una máquina de hacer rock

Creada con el rock como objetivo. Sin adornos y en un diseño único. La Sreetwalker es la encarnación de una máquina de hacer rock.

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La Framus Streetwalker es una de esas guitarras de aspecto a medio camino entre una guitarra agresiva y una guitarra elegante. Dotada de dos pastillas dobles Pearly Gates Humbucker y SSSL-5 tiene un sonido potente y redondo con canales saturados. Mientras que su sonido es brillante y cálido con canales más límpios.

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Su puente Floyd Rose te permite ejecutar efectos de palanca sin perder la afinación como viene garantizando durante tantos años la marca de la patente de los puentes flotantes.

Para más información puedes pulsar el siguiente enlace:

Streetwalker

En el video podemos escuchar su sonido.

Cómo leer tablatura

Hoy en día pululan por Internet toneladas de partituras para guitarra y bajo escritas mediante Tablatura o TAB. Al igual que ocurre con la música tenemos, a través del monitor de nuestro ordenador, acceso a un amplio abanico de obras con las que estudiar el repertorio que nos guste o ejercicios con los que trabajar determinadas técnicas. Pero ¿cómo se lee una tablatura?

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La tablatura es en esencia un sistema que representa gráficamente el mástil del instrumento y en el que se indica el traste en el que se ha de pulsar cada cuerda para hacer sonar la obra musical en cuestión. Vale para cualquier instrumento de cuerda y permite a los músicos que desconocen la escritura musical tradicional interpretar cualquier obra. De hecho, en el caso de los guitarristas, es de uso muy extendido la escritura mediante tabulado, incluso entre los guitarristas que si conocen la escritura musical tradicional.

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Se dibujan unas líneas paralelas, tantas como tenga el instrumento para el que está escrita la obra, y se hace de manera que la línea inferior representa la cuerda más grave del instrumento y la superior la cuerda más aguda. Se hace así para indicar el paralelismo con el pentagrama en el que la nota reprensentada es más aguda cuanto más arriba esté dibujada. También se suele indicar a la izquierda de cada línea, mediante cifrado americano,  la afinación que tiene cuando se toca esa cuerda “al aire”. A partir de aqui se escribe la cifra que corresponda con el traste en el que haya que pulsarla y sobre la cuerda que haya que hacerlo. Es decir, si vemos un número 2 en la línea inferior significa que hay que pulsar la cuerda grave en el traste 2, si vemos un 0 en la cuerda 3 significa que se ha de tocar la cuerda 3 “al aire”, si aparecen varios números uno encima de otro en varias cuerdas significa que se han de tocar a la vez y en los trastes indicados … Simplemente con lo visto hasta ahora hay muchísimo material escrito.

Con este sistema se desconoce la duración de cada nota, lo cual exije la escucha del tema en cuestión para poder interpretarlo correctamente. A todos nos resultará familiar este tipo de tablatura con las cuerdas representadas con los guiones del teclado.

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Un sistema más avanzado es el que representa simultáneamente la misma obra con notación musical y con tabulado en un sistema doble. Este es especialmente interesante ya que fijándonos en las figuras sabemos exactamente la duración de cada nota. Este sistema nos permite interpretar temas que no hayamos escuchado nunca simplemente teniendo unos mínimos conocimientos de los valores de las figuras y el compás.

En el ejemplo que tenemos bajo estas lineas se pueden ver una sucesión de corcheas, luego las notas deberán de durar medio tiempo cada una.

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Existe otra forma de tablatura que sintetiza las dos representaciones en un tabulado en el que se acompaña a las cifras con las plicas correspondientes a la figura que representan.

En el primer compás del ejemplo se indica que las 3 primeras notas son negras, luego duran un tiempo cada una, y las 2 siguientes son corcheas y por tanto duran medio tiempo cada una. En el compás 2 tenemos 2 corcheas en el primer tiempo, una negra en el segundo tiempo, 4 semicorcheas que ocupan el tercer siempo y una negra en el cuarto tiempo.

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En cualquiera de las formas de tablatura se indican mediante signos y abreviaturas los distintos recursos expresivos que se han de interpretar. También se usan signos y abreviaturas propias del sistema de escritura musical tradicional como los signos de repetión, indicaciones del tempo de la obra, la dinámica…

En el caso del tempo es muy usado, por la precisión extrema del método, la indicación de cuántos Bips Por Minuto (BPM) equivale cada negra. Ajustamos el metrónomo a la velocidad indicada y listo!

A continuación, y para terminar,  detallamos algunos de los recursos expresivos mas usados en música moderna en tablatura y en su representación más habitual. El desarrollo de la técnica en si lo veremos con mayor profundidad en próximas publicaciones.

Vibrato

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Especialmente usado en notas largas. Consiste en hacer variar ciclicamente la altura del sonido con pequeños estiramientos repetitivos de la cuerda.

Hammer on

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Se pulsa una nota con la pua o con los dedos de la mano derecha y la siguiente nota, que ha de ser en algún traste superior y normalmente en la misma cuerda, es ejecutada con el dedo de la mano izquierda que corresponda.

Tambien se suele indicar con la inicial “h” o “h o” entre las dos notas que une el arco de ligadura o sin las iniciales tal y como aparece en el ejemplo.

Pull off

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El caso contrario al anterior. Se pulsa una nota con la púa o los dedos de la mano derecha y la siguiente nota que ha de estar en un traste inferior y en la misma cuerda es atacada en el mismo movimiento de soltar la nota anterior.

Tambien puede aparecer indicado con las siglas “p” o “p o” entre las notas unidas mediante el arco de ligadura.

Slide

Se ataca la primera nota y se arrastra el dedo sobre el mástil pasando por todos los trastes entre las dos notas sin dejar de presionar la cuerda. Se indica uniendo con una barra inclinada las dos notas afectadas bajo el arco de ligadura.

Slide ascendente

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Slide descendente

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Bending

Consiste en hacer variar la altura del sonido emitido mediante el estiramiento de la cuerda. Se suele indicar cuanto hay que estirar (1 tono entero o full, 1/2 tono, 1 tono y 1/2, …).

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En el primer compás se representa un pre-bending que se relaja (se estira la cuerda, se ataca la nota y se relaja la tensión provocando un enlace descendente de un tono), un bending de un tono (se ataca la nota La en el traste 10 cuerda 2 y se estira hasta elevar su altura un tono, sonará un Si) y un bending de medio tono (estirando la nota Sol obtendremos un Sol sostenido).

El compás 2 indica la nota de partida (un Re en la cuerda 2 traste 15) y la nota que se obtiene al elevar su altura un tono (un Mi).

El compás 3 indica con una cifra más pequeña y con la figura de “nota de gracia” la nota desde la que se parte y después se indica la nota que se obtiene tras estirar la cuerda.