Social Sound, << No nos gusta el término espectador, preferimos que la gente participe y sean los protagonistas de las obras >>

Social Sound es una experiencia nueva e interesante que aglutina de una forma fresca y original el arte, la ciencia y la tencología por un lado con la imagen y el sonido por otro. Los conocimos en una de sus puestas en escena y nos decidimos a contactar con ellos para que conozcais su labor. Al otro lado del teléfono nos atendió Fabian.

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¿En qué consiste Social Sound?, para quién no haya oido hablar de vosotros, ¿Cómo le explicarías a qué os dedicais?

Es una iniciativa que nace en 2012 en la que buscamos mezclar arte, tecnología y participación social. Experimentando con contenido audiovisual y programación informática adaptándolo a diferentes espacios u objetos.

Ahora en 2012 nos dedicamos a crear entornos de inmersión interactivos, es decir, hacemos instalaciones y contenido para crear un ambiente que haga que las personas interactuen entre ellas. Creemos que es una buena oportunidad o pretexto para usar los espacios de otra forma.

No nos gusta el término espectador, preferimos que la gente participe y sean los protagonistas de las obras.

¿Quienes formais parte de Social Sound y a qué os dedicais cada uno de vosotros?

Diana Franco, que se encarga de la programación y el contenido visual y yo, Fabian Sounds, que me encargo de las animaciones, música, sonido y programación. Más colaboradores.

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¿En qué tipo de producto se plasma vuestro trabajo?

Hacemos aplicaciones e interfaces enfocadas a la interacción ordenador-usuario con fines lúdicos, educativos o artísticos.

Creamos contenido audiovisual: música, videos corporativos, animaciones, modelado 3D, video mapping, apps realidad aumentada.

Desde que comenzasteis en 2010 hasta hoy, ¿Cuántos trabajos habeis sacado a la luz?

En 2010:

Diferentes trabajos para eventos privados empresariales,

en diciembre hicimos Ez Monokromo en Co Lab Creativity Zentrum, nuestro debut.

En 2011:

En julio en Bakio Sound, que es un festival que se hace en el Bar 101, hicimos unas proyecciones interactivas con unos esqueletos,

Diferentes trabajos para eventos privados empresariales y charlas en el Kursaal de Donosti y en el Euskalduna en Bilbao,

En diciembre presentamos Ametz eta Su bola, cuentacuentos interactivo,  en la feria del libro y disco vasco de durango,

En 2012:

En mayo participamos en Alarmarte, que es un maratón de creación con residuos y materiales reciclados en Bilbao,

Repetimos algunas representaciones de Ametz eta Su bola en diferentes colegios,

En junio hicimos una visualización de datos en tiempo real para Hack & Hackers,

En julio hicimos visuales para los directos de mi ex-grupo en México, Ardan,

Y estrenamos una obra de teatro llamada Indar Magikoa en la que nos invitaron a hacer unas escenografías proyectadas.

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¿Cómo llevais a cabo vuestros proyectos? ¿Os dicen exactamente cómo lo quieren u os dejan libertad a la hora de desarrollar una propuesta determinada?

Nos gusta colaborar con las personas. Algunas veces nos contratan y otras las producimos nosotros. Estamos abiertos a proyectos, propuestas y retos.

Ya que trabajamos en sitios específicos nos gusta ver el lugar donde trabajaremos y tomamos algunas medidas, hablamos con el técnico o encargado de mantenimiento del sitio, en fin, cosas técnicas. Luego ya depende del objetivo del evento en el que nos contraten y de ahí proponemos ideas. Ya con la idea nos ponemos a trabajar o a componer.

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Para el que tenga curiosidad por ver lo que haceis en persona, ¿Teneis fechas de eventos a la vista?

A lo largo del año estaremos presentando Indar Magikoa en diferentes teatros y colegios, en esta obra es en la que hicimos las escenografías o decorados proyectados interactivos.

Y estamos trabajando en algunos proyectos relacionados con la filosofía DIY.

Muchas gracias por tu atención Fabian y os deseamos todo lo mejor.

De nada, y muchas gracias, un saludo y hasta cuando querais.

Para quien quiera saber mas acerca de Social Sound puede visitar su página y contactar con ellos en:

www.socialsound.tk

www.soundcloud.com/fabiansounds

twitter.com/#!/social sound

facebook.com/social.sound

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Análisis de géneros: El Rock and Roll

Hoy vamos a hablar del género de música probablemente más popular dentro de toda la música del siglo pasado. La música de la gente “cool”, con tupé, patillas, mucha gomina, la música de los que llamaban a sus novias “muñeca, nena, baby” y se las llevaban a los cines de automóvil al aire libre para intentar llevárselas al huerto. Una música que no pasa de moda y es que como ya lo dijo Neil Young “Rock and roll will never die”.

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Un estilo que nace de todo el popurrí de músicas que a mediados del siglo pasado se estaban dando en Estados Unidos: jazz, blues, country, gospel, rockabilly, rhythm and blues etc. Aunque a parte de la música en sí, lo que hizo que este estilo despuntara por encima de todos los demás fue la revolución social que supuso.

Una sociedad muy religiosa, y con tantos tabúes y miedos hacia el libertinaje, se vio corrompida por una música cuyas letras hablaban de hacer el amor en mil posiciones, y cuyo baile tenía a todas las madres con hijas jóvenes atemorizadas. “Es la música del diablo” decían muchos. La gente joven tomo esta música como bandera de su libertad y hasta el día de hoy el rock and roll ha sido insignia de todo tipo de revoluciones juveniles.

Como siempre vamos a analizarlo en cuatro apartados: estructura, armonía y melodía, ritmo y estilos.

ESTRUCTURA

El rock and roll sigue la estructura del blues de manera bastante fiel. (Mirar artículo sobre el blues en la revista nº20) Sobre todo el ciclo de 12 compases.

1- 12 compases:

Un par de ejemplo míticos donde los haya.

“Johnny B. Good” de Chuck Berry

“Tutti frutti” de Little Richard

2- 16 compases:

“Jailhouse Rock” de Elvis Presley,

“Rockin Robbin” de Bobby Day

3- 8 compases:

“Maybe Baby” de Buddy Holly

“Do you wanna dance?”de Bobby Freeman interpretada por Cliff Richards and The shadows.

Y como dijimos en el blues, ahora es cuestión de mezclar uno con otro y hacer tantas variaciones como queramos. Ejemplo de 8 compases+12 compases la masterpiece de Jerry Lee Lewis

“Great balls of fire”

Después, a medida que el tiempo avance, también surgirán otras estructuras que no siguen estas pautas, ni ninguna en concreto, más que la que la propia canción en concreto le exige. Dependerá de la propia composición del autor.

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ARMONIA

En lo que a la armonía corresponde, hay que destacar que la mayoría de temas están compuestos en tonalidades mayores y que siguen las reglas básicas de los movimientos armónicos en la música tonal (I-IV-V). Sin embargo, en el rock and roll más tradicional, se tiende a utilizar acordes dominantes en cada grado, característica heredada del blues en tonalidad mayor (ver revista nº20).

Las progresiones y movimientos de acordes tienden también a ser iguales que las que vimos en el artículo sobre el blues mayor (revista nº20). En muchos casos, se podría decir que el rock and roll fue una aceleración de los blueses en tono mayor, sobre todo si nos fijamos en el estilo de Jump blues:

“Feelin´ Happy” de Big Joe Turner.

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Después comienzan a nacer otros estilos de rock and roll, como el doo wop, y se introducen acordes como el VIm y el IIm. Se introducen también armonías vocales, uno de los rasgos que más caracterizará este estilo. En el siguiente ejemplo podemos ver como comienza a darse esta evolución.

“Hey senorita” de The penguins.

Y así, según sigue avanzando, surgen progresiones como:

1-I-VIm-IV-V:

a) Why do fools fall in love? de The teenagers

b) “I wonder why” de Dion and the Belmonts

2-I-VI-IIm-V:

a) “Oh Carol” de Neil Sedaka

MELODÍA

La melodía básica del rock and roll es muy similar a la del country pero con detalles y un feeling que los distancia en cierta manera. En el rock and roll los solos se tocan de manera más agresiva en cuanto a lo que la mano derecha corresponde. Siempre con púa, con muchos double stops y sin la necesidad de recurrir tanto a cuerdas abiertas. De todas maneras, para tener un buen sonido rock and rollero en vuestros solos, lo mejor que podéis hacer es lo siguiente: escuchar a Chuck Berry y… ¡haced lo que él hace!

Las escalas más utilizadas son:

1) Eentatónica mayor: R 9 3 5 13

2) Escala country: R 9 b3 3 5 13

3) Escala mayor diatónica: R 9 3 11 5 13 7

4) Escala de blues: R b3 11 b5 5 b7

Sin embargo, esta no es una música en la que deberíais estar pensando en notas o escalas. Podéis tocar todas las notas correctas y sonar fatal, lo que hace falta en esta música es agresividad, convicción y si lo hacéis con notas que no corresponden sonareis mejor que con las que sí… Los solos de este estilo necesitan actitud más que teoría. Si pensáis mucho, erraréis.

“Johnny B Good” de Chuck Berry en directo.

Un pequeño ejemplo para que veáis la importancia de la actitud más que la corrección:

“Tutti Frutti” por Little Richard y ahora por Pat Boone…

“Tutti Frutti” de Pat Boone

Y hablando de actitud Jerry Lee Lewis:

“Great ball of fire”

Lo que menos importa es una nota fuera de tono o un desafine…

Ahora vamos a ver algún lick al estilo de Chuck Berry para que os familiaricéis un poco con el sonido. Están todo

Lick 1)

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Lick 2)

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Lick 3)

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Lick 4)

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Lick 5)

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Chuck Berry juega mucho con las terceras, es uno de sus rasgos más característicos. Echad un ojo al siguiente video si queréis seguir sacando licks de este estilo.

Chuck Berry Style by Steve Trovato

Y aquí os dejo también la intro de Johnny B. Good explicada por el excelente guitarrista Justin Sandercoe.

Johnny B. Good by Justin Sandercoe

RITMO

En lo que al ritmo corresponde, todos los temas de rock and roll tienen unas características comunes bastante marcadas. Todas las canciones suelen ser bastante rápidas, y el peso rítmico recae sobre los tiempos 2 y 4, marcados por el batería con la caja. A continuación vamos a analizar distintos ritmos que se han utilizado en diversas composiciones.

1) Straight 4 o “corcheas rectas”:

Un 4/4 normal con su acentuación correspondiente sobre los tiempos 2 y 4.

“Rock around the clock” de Bill Haley & The comets,

“Whole lotta shaking going on” de Jerry Lee Lewis,

2) ”Two beat” o 2/4:

Tal y como el nombre indica son canciones en las que la acentuación se da cada dos tiempos y en ambos tiempos con la misma intensidad, no como en el 4/4 que el 2 es siempre ligeramente más débil que el 4.

“I´m walking” de Fats domino.

El inmortal tema de Chuck Berry, “Maybeline”.

3) 12/8 balada:

Un ritmo atresillado y lento para canciones más pausadas. Baladas más típicas ya de la época doo wop pero que también podemos encontrar dentro del repertorio de gente como Fat Domino:

“Blue Berry Hill”.

“Only you” de The platters.

4) Shuffle

Está basado en un ritmo a corcheas en el cual la primera dura más que la segunda. Podría interpretarse como un ritmo de tresillo de corchea de una negra+una corchea:

Sin embargo, no es una medición exacta, y una vez más depende del feeling de cada artista. Algunos prolongan más la primera corchea, otros menos.

“Woodpecker” de Chuck Berry.

“Kansas city” de Fats Domino.

SUB-ESTILOS

1) Doo wop:

Es un tipo de rock and roll con una gran carga de armonías vocales. Las bandas tienden a estar lideradas por un cuarteto vocal. Las voces imitan también sonidos de instrumentos. En este estilo no se tiende a seguir las progresiones de acordes típicas en el blues. Se introducen el IIm y el VIm.

“Sh-boom” de The chords.

“Gee” The crows.

Hay una variante de baladas muy abundante en este estilo.

“Count every star” The Ravens.

“Earth Angel” de The penguins.

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2) Música surf:

Es un estilo que se caracteriza por el uso de reverb, de la palanca de tremolo, otros efectos de tremolo y la técnica de púa trémolo también. Hay dos variantes de este estilo: la música instrumental y la que tiene también una parte vocal más influenciada por el doo wop. Esta música puede tener un cierto toque latino por la influencia de México. Sobre todo la instrumental.

“Surfing and swinging” de Dick Dale.

“Surfin´” de los Beach boys.

“Pipeline” de The Chantays.

3) Garage rock:

Es un tipo de rock más crudo, con menos arreglos. Los grupos de este estilo tienden a mantener la formación básica de guitarra, bajo y batería. Se podría decir que es un rock un tanto amateur. Los primeros pasos hacia lo que sería el punk o el indie.

“The witch” de The sonics.

“Surfin´bird” de The trashmen.

En este estilo estarían también grupos como The kinks “Lola”

,The troggs “Wild Thing”

etc

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4) Folk rock:

Es un rock más rural, con un cierto toque country. El cantante se convierte en un contador de historias y hay menos uso de instrumentos eléctricos. Es bastante común escuchar panderetas en este tipo de música para darle mayor peso a la poca presencia de instrumentos eléctricos. Las letras toman una carga bastante importante.

“Maggie´s farm” de Bob Dylan.

“California dreaming” de The Mamas and The papas.

Y así, muchos más… Es muy complicado delimitar hasta donde una canción pertenece a un estilo o a otro. Algunos dicen que Led Zeppelín es rock and roll, otros prefieren llamarlo heavy-rock, unos dicen que AC/DC es rock and roll, otros que heavy-metal. Lo importante aquí es escuchar y apreciar la influencia del rock and roll en todos estos estilos. Después también, cada uno puede analizar cómo el rock and roll ha influenciado prácticamente todo el resto de música que ha surgido después de él. Pero eso, ya os lo dejo a vosotros.

Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.

Para ver más artículos y descargar la revista completa puedes ir a Cutaway Guitar magazine.

El Rock and Roll.

David “Buke” Vila.

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Metallica, Sonisphere 2012 – Getafe

La infinita explanada del auditorio John Lennon de Getafe acogió el pasado 26 de Mayo un intenso concierto a cargo de cuatro tipos duros de Los Angeles que se hacen llamar Metallica.

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Actuaron como cabezas de cartel del festival Sonisphere 2012 y nos ofrecieron un recital protagonizado por las joyas de su mítico disco “Metallica”, mas conocido como “black album”. Sin duda para muchos es el disco mas redondo de la banda y cuenta con una producción a cargo de Bob Rock que sentó cátedra en su momento. Las ventas, la gira mundial de 3 años, los estadios repletos y la infinidad de bandas con riffs clónicos de los de este disco así lo atestiguan.

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La tarde soleada se fue despidiendo para dar paso a la actuación de Metallica una vez que acabó la de Slayer. Para entonces ya no cabía ni un alma sobre el asfalto ya que todo el público custodiaba su lugar desde el que ver el concierto, salvo alguno que pretende atravesar la multitud desde los puestos de bocadillos a eso de 1 Km de distancia. Y llegó el momento deseado tras las pruebas de sonido particulares. Las pantallas gigantes comienzan a proyectar las imágenes de “el bueno, el feo y el malo” con la mítica cinta sonora de Ennio Morricone “Ecstacy of Gold” como habitual apertura de los conciertos de la banda. Todo el mundo permanece atento e hipnotizado hasta que la banda rompe con el primer tema de la noche: “Hit the lights”. Perdimos la apuesta tanto yo como un desconocido que estaba a mi lado. Yo me la jugué a que abrirían con “Creeping Death” y el decía que con “Enter sandman” pero ninguno de los dos estuvimos finos. El segundo tema de la noche fue un “Master of Puppets” muy subido de tempo respecto al disco para hacerlo mas intenso aún y tras el llegaron “ The shortest straw”, “For Whom The Bell Tolls” y “Hell and Back”. Tras este quinteto de apertura llegó un pequeño parón. La banda se retira y la superpantalla de la parte trasera del escenario nos ofrece un documental con imágenes de la banda de la época en que se editó el homenajeado “Black album”. Reaparece la banda y lo hace con el disco íntegro pero, según nos fuimos dando cuenta, tocado desde la última canción hasta la primera. Así que reabrieron con “The Struggle Within”. Ya había comenzado este homenaje particular que hace la banda tocando cada disco al completo al cumplirse 20 años de su publicación. Esto es algo que los hace grandes ya que podrían conformarse con hacer giras cada disco nuevo tocando los temas de siempre añadiendo 2 o 3 del nuevo disco. Pero no, Metallica son unos trabajadores natos del rock y forjan su nombre en cada concierto que hacen. Siguieron con “My Friend Of Misery”, “The God That Failed” y “Of Wolf And Man” hasta que llegó uno de los momentos álgidos de la noche con “Nothing Else Matters”. El conocidísimo tema que por mucho que se versionee nunca sonará como ellos saben hacerlo sonar. Un temazo con una fuerza increíble para ser una balada y que además contiene uno de los mejores solos de la banda y que sin duda cualquier guitarrista tendría que aprender a tocarlo antes de morir. Tras lo cual siguieron con unos cuantos trallazos “Through The Never” y “Don’t Tread On Me”.

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Con la intro de “Wherever I May Roam” me entró la duda de si lo que escuchaba era la guitarra ESP mummy de Hammet ya que lo que mas se oía era a la gente tarareando el riff. Es algo común durante todo el concierto que la gente no se limite a cantar las letras sino que canta hasta los breaks de batería pero con las intros de guitarra sola y semilimpia es cuando mas se nota. Pasada ya la mitad del concierto llegó el turno de otro tema relajado como es “The Unforgiven” con esa intro de e-bow en modo ambientación. Después “Holier Than Thou” seguido de un temazo: “Sad But True”. Trash puro y con ese silencio de algo más de un compás en medio de la intro que añade una tensión extra a un riff ya de por si demoledor. Además contiene uno de los solos mas interesantes de Mr. Kirk con ese quinto modo de la escala menor armónica que le da un toque tan exótico. Y llegó el que seguramente sea el tema más popular de la banda. Versioneado por gente de primer nivel y cualquier estilo e interpretado en millones de locales de ensayo y en directos de bandas nóveles. Estamos hablando de “Enter Sandman”. La banda hizo las delicias del público especialmente en este tema con unos juegos de luces muy acertados que recordaban al videoclip original del tema cosa que también se hizo a lo largo del concierto. Además era muy vistoso ver a los músicos en el escenario elevado con sus imágenes de fondo en la pantalla gigante mas las proyecciones de partes de videoclips y demás. Todo un lujo. Un riff brutal, melodía de voz sin fisuras, breaks de batería y pegada muy acertadas, juegos corales con el respetable y un solo de guitarra con wah-wah muy digno hicieron de este tema un colofón sin igual al repaso del mítico álbum homónimo de la banda. Y desaparecieron.

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Eso si, allí nadie nos movimos aunque sobrevolaba por las cabezas de los allí presentes la duda de si no tocarían mas tiempo por ser parte de un festival. Pero no tardó mucho en quedar claro que aunque toquen en un festival Metallica siempre hace su concierto con su sonido, su escenografía, sus medios y su repertorio aunque pasen de las dos horas. Así que llegaron los bises. El primero de los cuales fue “Battery”. Le siguió la legendaria “One” llena de pirotecnia, cohetes y llamaradas gigantes sincronizadas con la batería de Ulrich para calentar al público por si alguno tenía frío. También navegó sobre la marea humana una colección de balones hinchables gigantes de color negro con el logotipo de la banda mientras en el escenario Robert Trujillo nos deleitaba con sus “molinillos”. Y el tema de despedida fue “Seek & Destroy”. Coreado y disfrutado por todos fue un digno telón. La banda se mostró muy agradecida. Los cuatro pasaron por el micrófono y Trujillo lo hizo en su español materno. Ulrich repartió baquetas, apretones de mano y chorros de agua que lanzaba con su boca (¿De verdad piensa que a alguien le gusta que le riegue así?). Kirk y James lanzaron algunas púas a los afortunados de primerísima linea y aquí acabó esta noche de Metallica en la que se repartió metal de lo lindo. Puede que no sean los mas técnicos como se les critica por parte de algunos sectores metálicos muy obsesionados con la técnica purista, sobre todo a Kirk Hammet y Lars Ulrich, pero tienen algo que pocos tienen. Tienen una dedicación exagerada a su público, como regalar conciertos con discos íntegros cuando se cumplen 20 años de la publicación; tienen una colección de canciones que siguen sonando muy frescas y muchos repertorios posibles (oye, ¡que un concierto basado en Load y Reload sería muy distinto pero no estaría nada mal!); y tienen contundencia en el escenario, para lo cual la técnica no lo aporta todo y si que hacen falta otras cosas que otros grupos muy técnicos no tienen y así les lucen los directos. En definitiva un gran concierto. Así lo reconocimos tanto yo como el desconocido de al lado, con el que aposté al comienzo del concierto, al despedirnos con un apretón de manos. Quizás nos volvamos a ver en un concierto de Metallica por el 40 aniversario del “Black album”.

Gracias a Last Tour International por las fotografías.

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Concurso de púas personalizadas “Diseña tu púa”

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Para los que estais aburridos de los diseños de púas habituales y de las púas que os ofrece el mercado os presentamos el Primer concurso de diseño de púas del El Rincón del Sonido.

El ganador tendrá GRATIS 100 púas personalizadas con su diseño.

¿Cómo participar?

1. Descárgate la plantilla de la púa
http://blog.elrincondelsonido.com/wp-content/uploads/2012/03/plantillapua.jpg
Pinchando con el botón derecho del ratón en la imagen “Guardar imagen como…”
ya la podéis guardar en vuestro ordenador.

2. Haz el diseño que tu quieras, rienda suelta a tu imaginación…
blanco y negro, a color, una cara, dos caras, no hay límite.

3. Envíanos tu diseño antes del 19 de abril a las 19 horas
a ventas@elrincondelsonido.com con el asunto:Concurso púas
Los diseños tienen que estar en formato .jpg o .tiff

4. El día 20 de abril a las 13 horas, estáran todos los diseños participantes
subidos en www.elrincondelsonido.com

5. A votar! El diseño que obtenga más “me gusta” será el ganador.
Vota el público; usuarios de Facebook. ¡Promociona tu diseño! 😉
El período de votación finaliza el 26 de abril a las 20h.

6. El día 27 de abril a las 10h daremos a conocer el ganador.

¿Si has ganado? Enhorabuena!
Haremos 100 gratis para ti con tu diseño, en el material que quieras (acetal, delrin,….)

¿Y si no has ganado? Premio de consolación.
Todos los participantes tendrán un 10% descuento para hacer sus propias púas personalizadas.

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Concurso solo para España. Las horas marcadas son hora peninsular.
Todos los participantes deben registrarse o estar registrados en la tienda www.elrincondelsonido.com

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Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca

He de confesar que este libro me conquistó por su título. En una sola frase se plasman un montón de pensamientos, condiciones especiales y circunstancias que tan solo un músico y los que le rodean en su día a día pueden comprender. Era único que conocía del libro y ahora, que acabo de terminar de leer la 6ª edición, puedo decir que las expectativas que levantó en mi ese título las ha confirmado el contenido.

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Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca es una obra de Guillermo Dalia con la que obtuvo el premio Euterpe en 2009.  Licenciado por la facultad de Psicología de la Universidad de Valencia y  en Psicología Clínica se especializa en la interpretación musical. Desde 1993 su que hacer profesional gira en torno a la mejora de la calidad de vida de los músicos. Desarrolla su labor en cuatro ámbitos: la formación, la psicoterapia individual, la investigación y la publicación de libros sobre esta temática.

Este libro es para músicos pero no tiene ninguna partitura ni enseña ninguna técnica de un instrumento cualquiera. No obstante puede que sea de mucha más ayuda. Trata sobre los músicos y todo lo que hay a su alrededor. Es una afición o profesión especial que requiere una formación prematura y excepcional y eso puede marcar la personalidad del músico. Trata de la relación especial que surge entre alumno y maestro, entre músico y familia y entre músico y su instrumento.

Trata también de lo que no se sabe de un músico. De las incontables horas de soledad a las que se enfrenta el músico mientras estudia. De las ansiedad y presión a la que se ve sometido ante una actuación. De las esperanzas, logros y fracasos que se van obteniendo o que van llegando. Si eres músico o tienes uno cerca te verás indentificado en alguno de los capítulos que componen la obra y que a continuación puedes leer:

INDICE

1- Presentación

2- ¡Cómo somos! Cosas de músicos
¿Por qué tienen tan mal humor los músicos?
Nadie nos entiende
El espacio que ocupa la música en nosotros
Pero ¿somos distintos por ser músicos?
¿Entre nosotros somos distintos?

3- ¿Por qué somos así?
¿De dónde salen los músicos?
¿El conservatorio conserva?
El día tiene 24 horas
Clanes, escuelas, comunidades y hermandades

4- La relación profesor-alumno
Una relación única
Y bidireccional
Manteniendo las distancias
Olvídate de lo hecho hasta ahora, yo soy el camino

5- Saliendo al exterior: Bienvenido al mundo real
Seguimos de exámenes
¿Competidores o compañeros?
Hay vida más allá de la música
El instrumento más difícil es…
Los músicos también se queman

6- Un apéndice más: nuestro instrumento
La relación amor-odio con el instrumento
Parejas de hecho
¿Dependencia o amistad?
Celos
Cuidémonos y afinémonos

7- Para familiares y amigos: manual de supervivencia
¿Cómo actuar ante un músico?
El síndrome Preconcierto (SPC)
Hoy es el día D
Después de la batalla
Que no decir nunca a un músico
Cuando tú dices… el músico escucha…

8- Tenemos solución
¿Y si soy músico qué hago?
Un músico bueno no va al psicólogo
¿Solución personal o musical?
De mal a bien, o de bien a mejor

9- ¿Cuál es la llave de la felicidad?
La felicidad
¿Qué es la felicidad?
¿Qué clave es la clave de la felicidad?
Por lo tanto… seamos felices
Detectemos los obstáculos del músico para ser feliz y superémoslos
Ejercicios felices
La partitura más bonita: La vida. Un paseo por la playa

10- Hacia afuera: habilidades sociales
Hace miles de años
¿Qué son unas correctas habilidades sociales?
Hacer cumplidos
Aceptar cumplidos
Hacer peticiones
Defender los propios derechos
Rechazar peticiones
Expresar desagrado o insatisfacción
Petición de cambio de conducta del otro
Disculparse o admitir ignorancia
Afrontar críticas
Obstáculos para practicar habilidades sociales

11- Hacia adentro: control emocional
Un mundo bajo la piel
¿Controlar las emociones?
Conociendo al enemigo
Cómo se instaura el enemigo
Los enemigos de los músicos
Cambiando enemigos por amigos

12- También hay cosas buenas ¿no?
No es todo tan negativo
Casi todo es positivo
Aventuras y experiencias
Maduración personal
Lo bueno y lo malo

13- Y si soy profesor ¿qué hago?
Soy más cosas que profesor
Profesores que destiñen y levaduras
Estar orgulloso, muy orgulloso
Que disfruten, que disfruten, que disfruten…
La relación con los alumnos
La relación con los demás
Estar a la última

14- ¿Y los padres, qué hacemos?
¡Socorro! mi hijo quiere ser músico
Ni Mozart ni pasatiempo
La elección del instrumento
Ser unos padres responsables
Imponemos o consentimos, nos pasamos o no llegamos
Apórtandoles felicidad en sus estudios
Cuando los padres son músicos, ¡uf!
¿Y si quieren abandonar?

15- Y si soy alumno, ¿qué hago?
¡Socorro! Mis padres quieren que sea músico
Ni más ni menos: estudiar
La relación con el profesor-a
La relación con otros alumnos
La relación con otros
Aprender a vivir con la música y no de la música

16- ¿Y si mi pareja es músico?
¿Qué sabemos de las parejas?
Parejas felices
Somos músicos, somos pareja
Parejas de músicos felices

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17- El mundo de las orquestas
¿Es preciso ser amigo de los compañeros?
Relación y clima de la Orquesta
Ni locos ni futbolistas
¿Somos un equipo?
Nos castigamos y nos premiamos
Con cierto desconcierto

18- Otras músicas, otros músicos
Clásicos, jazz y flamenco
Aficionados

19- Recapitulando

20-Bibliografía

Para más información sobre el autor puedes visitar su página web.

Para hacerte con tu ejemplar de Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca

Otras obras del autor:

El músico. Una introducción a la psicología de la interpretación musical.

Cómo superar la ansiedad escénica en músicos: un método eficaz para dominar los “nervios” ante las actuaciones musicales.

Popularidad: 31%

Instrumentos infantiles

Hay dos factores vitales en el desarrollo intelectual de un niño. Uno es la actividad física y otro el estudio de un instrumento. Está comprobado que el niño que estudia música o estudia un determinado instrumento musical durante algunos años desarrolla una sensibilidad especial. Además superan en la media de test de inteligencia y aptitud a niños que no han tenido contacto con un instrumento.

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Tenemos las navidades a la vuelta de la esquina. Otra vez a pensar en los regalos y en especial en los regalos a los pequeños de la casa que son los que con mas ilusión esperan su llegada. Una buena opción puede ser regalar un instrumento a escala.
Dentro de los instrumento a escala, es decir, instrumentos con las mismas carácteristicas que los que usan los adultos pero adaptados al tamaño de un niño, destacamos las baterías infantiles. Como todos los instrumentos de la familía de la percusión, las baterías atraen especialmente a los niños. A todos les gusta aporrear cosas y si lo hacen sobre un objeto pensado para ello las consecuencias no son del todo desastrosas.

Para más información puedes consultar las baterías infantiles de Elrincóndelsonido.com

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De izquierda a derecha: Bob Esponja SBK 100, Deep GC 3500 y Deep GC 39

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Por otro lado esta la familia de los instrumentos de cuerda y especialmente la guitarra. Es tal vez la familia de instrumentos que más trabajada tiene su edición en instrumentos a escala. Hay que tener claro el tamaño que queremos según la edad y estatura del niño que la vaya a tocar. Los tamaños mas extendidos en guitarras a escala son 1/2 y 3/4. Tambien se puede encontrar que a la de 1/2 se la presente como tamaño infantil y la de 3/4 como tamaño cadete.

Aqui presentamos unos ejemplos de guitarra cadete o 1/2 y de guitarra infantil o 3/4.

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De izquierda a derecha: Ispana Talavera de 1/2, Ispana MOD 35 de 3/4 y  Rochester A1 cadete

También hay instrumentos que están a mitad de camino entre instrumentos de escala completa y de escala reducida. Por ejemplo nos podemos encontrar guitarras clásicas de caja pequeña pero con el mástil a tamaño real. Tal vez no sea la mejor opción ya que las manos de un niño tambien son pequeñas y le suele costar tocar en este tipo de mástiles.

Para terminar con las guitarras mencionamos los instrumentos a escala completa pero con motivos infantiles o juveniles. Son aconsejados para chicos y chicas mas mayores pero a los que les pueda atraer instrumentos con motivos animados acordes con su edad.

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De izquierda a derecha: Disney HSM-DA34 de 3/4, Disney HM-DA34 de 3/4 e Ispana Skyblue de escala completa

Otra familia interesante para los más pequeños son los teclados. Todos los derivados del piano, y el mismo piano claro está, son instrumentos especialmente pedagógicos. Cada nota solo se puede emitir con su respectiva tecla, cosa que no ocurre con los instrumentos de cuerda en los que hay notas que se pueden obtener en varias posiciones distintas. Para un niño un teclado con teclas pequeñas, sin estar contrapesadas y sin sensibilidad para que suene sin apenas esfuerzo, las opciones de grabar lo que toca, la enorme cantidad de timbres disponibles y poder tocar sobre bases de acompañamiento se convierte en un instrumento muy interesante.

Estos son algunos ejemplos interesantes de teclados.

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De izquierda a derecha: Casio CTK 230 y Casio LK 110 con función de aprendizaje mediante teclas luminosas

Popularidad: 36%

Demo Tour de Line 6

El próximo día 1 de diciembre a las 18h en la nueva sede del “Taller de Músics” de Barcelona tendrá lugar la “Demo Tour” de Line 6 a cargo del aclamado guitarrista Paul Hindmarsh.

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Paul nos deleitará con su elevada técnica como guitarrista además de mostrarnos en profundidad las posibilidades de las nuevas guitarras Variax Jame Tyler, así como los amplificadores y su conexión con las pedaleras de Line 6.

A este clínic estáis todos invitados, por supuesto.

Al finalizar el clínic se celebrarán diferentes sorteos con obsequios para los asistentes.

No vemos en el Taller de Músics.

Popularidad: 27%

Casio especial navidad 2012 y 3 meses, 3 Casio, parte 3

Lanzamos una oferta especial para estas navidades. Hasta el 5 de Enero puedes hacerte con tu KIT de Casio CTK-7000 + Micrófono + Píe de Micrófono + Pinza de Micrófono. Es decir, todo lo necesario para poder hacer tus grabaciones de voz sobre tu temas acompañándote del teclado o de una base de audio externa.

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El teclado CTK-7000 graba tu voz, lo que entra a través de tu MP3 por la entrada de audio y lo que tocas simultáneamente. Queda registrado en la tarjeta de memoria y ya tienes tu canción. Con este teclado y el micrófono y accesorios complementarios ya tienes todo lo necesario para grabarte en tu casa.

Para ver las caractesísticas del teclado y hacerte con el tuyo hasta el 5 de Enero puedes visitar el siguiente enlace:

CASIO CTK-700 KIT Navidad 2012

Por otro lado este mes de Noviembre termina la promoción especial de Casio, 3 meses 3 Casio con el último artículo en promoción. Se trata del teclado Casio CTK-300 a 179 € y la versión en KIT con soporte, pedal de sustain y adaptador de corriente a 199 €.

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Recuerda que si compras algún producto de CASIO entrarás en el sorteo de un cheque regalo de 300 € en tu tienda habitual.

Popularidad: 27%

3 meses, 3 Casio, parte 2

Hemos finalizado el mes de septiembre y con él la primera parte de la promoción de la campaña especial de Casio 3 meses 3 Casio.

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La promoción ha sido un éxito de participación, habiéndose regstrado para el sorteo de los 300 € algo más de 500 personas.  El afortunado ganador de dicho corteo ha sido el Sr. Serafín Arriaza.

Para este segundo mes de la promoción el piano protagonista es el Celviano AP – 200 a un precio final de venta de 850 €.

Recuerda que en www.3meses3casio.com se sorteará un cheque de 300 € canjeable por instrumentos en tu tienda favorita.

Puedes ver las características del teclado y hacerte con el tuyo en las siguientes direcciones:

Teclado Casio Celviano AP 220

Popularidad: 26%

Analizando géneros: El Funk

A la gente le gusta bailar y poder seguir una canción mientras mueve la cabeza. A la mayoría de la gente que escucha música le causa una supina indiferencia que uses el modo mixolidio o el modo supercalifragilístico.

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Uno de los aspectos más importantes y menos estudiados dentro de la guitarra es el ritmo. Tanto en labores de guitarra puramente rítmica como dentro del fraseo solista.

Una persona con un buen sentido del ritmo puede poner a bailar a toda una sala tocando dos notas y sin usar alteraciones, y alguien que sabe todas las escalas e incluso ha descubierto nuevos y alucinantes modos de la música neozelandesa del siglo II antes de cristo, puede aburrir y no mover a nadie.

Volvemos a lo de siempre, hay que saber sentir el ritmo de la música, y después aplicar todos esos modos y escalas. Si no escuchamos donde golpea el plato el batería, donde hay un silencio etc. podríamos estar construyendo una parte de guitarra que va totalmente cruzada con el groove general de la canción. Para ello, hoy vamos a estudiar uno de los estilos que pone a bailar a toda la sala cada vez que suena: el funk.

Vamos a continuar en la misma línea que con el blues y vamos a dividir el estudio en: estructura, armonía y melodía, ritmo y estilos.

ESTRUCTURA

Lo importante de la estructura del funk más primitivo es que no hay ninguna necesidad de tener una específica. De hecho, si escuchamos a James Brown en, por ejemplo, “I got the feeling” los músicos cambian de la estrofa al estribillo, unas veces, cuando grita (3:30) y otras, cuando salta o levanta la mano. Es una música en la que, muchas veces, tenemos que seguir lo que el cantante siente, a no ser que se haya acordado de otra manera previamente. Existe una estrofa, estribillo, puente etc. pero tiende a no haber un número específico de repeticiones de estas y ser el cantante el que marca los cambios.

Sin embargo, a pesar de que el funk tiende a no tener una estructura establecida, como sí que lo hace el blues, por ejemplo, se le puede aplicar estructuras de esta u otras músicas. Ya hablamos del “funk blues” en los números anteriores.  

El elemento que hace que una canción sea funky es el ritmo. El funk más tradicional tiende a no tener una estructura específica, pero podemos tomar un Standard de jazz, respetar al máximo su estructura y hacerlo en un estilo funky si le aplicamos un ritmo de tipo funky. Hablaremos más de esto en el apartado de ritmo.

ARMONÍA

Los cambios armónicos no son tan importantes en el funk tradicional, pero a pesar de ello los acordes que se utilizan suelen incluir todo tipo de extensiones más típicas, por ejemplo, del jazz . La diferencia es que se utilizan como acordes estáticos sobre los que se ejecuta un ritmo, no como las típicas progresiones de jazz donde se cambia de acordes constantemente.

Las canciones de funk tradicionales tienden a estar en el modo mixolidio o en el modo dórico. Sin embargo, como ya hemos dicho, será el ritmo lo que determinará la cualidad funky de un tema, no la armonía ni las progresiones.

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En la guitarra se tiende a marcar más las primeras cuerdas, e incluso a simplemente tocar las 3-4 primeras. Se suelen realizar arreglos sobre los propios acordes que estamos tocando, añadiendo y quitando la 13, por ejemplo, o con pequeños licks y fraseos. Esto se puede apreciar perfectamente en “Sex machine” donde el guitarrista toca un acorde 9 con la quinta arriba y la sube a la 13 en cada tercer tiempo del compás, para volver a la 5 en la última semicorchea del mismo.

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Fijaos también en lo comentado sobre la estructura, y como James Brown les grita “¿Vamos al puente? Venga, al puente” y es ahí termina la estrofa para pasar al puente.

Estos son algunos de los acordes más comunes que intentan ceñirse a las 3-4 primeras cuerdas:

  • Menores:

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  • Dominantes:

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La lista sería interminable. Aquí hemos visto los acordes más típicos del funk más tradicional, tipo James Brown. Como regla general puedes utilizar cualquiera de los que ya sabes tocando sólo las 3-4 primeras cuerdas. Si quieres encontrar acordes de otro tipo con otros voicings como estos (mayores, disminuidos etc.) te fijas en los que acabamos de ver, los modificas ¡y te los curras tú! Lo importante es adaptarlos a las cuerdas más agudas y seguir las reglas generales de armonía teniendo en cuenta que la 3, la 7, y las tensiones son las más importantes si has de dejar alguna fuera.

MELODÍA

Como venimos diciendo todo el rato, se puede aplicar un ritmo funky a cualquier armonía y melodía, pero si hablamos estrictamente del funk más tradicional, la melodía tiende a ser una mezcla del modo dórico o mixolidio con la escala de blues. Sin embargo, una vez más, lo importante es que la melodía siga el ritmo de la canción. Fijaos en este video de Victor y Regi Wooten. Las notas que tocan es casi lo de menos mientras alguien toque la tónica de vez en cuando. Lo importante es el groove, la calidad rítmica de lo que improvisan. 

Lo más importante es que la guitarra es usada como un elemento percusivo y hay que mantener el groove vivo, no hay grandes cambios melódicos ni armónicos entre las partes. Eres un elemento rítmico, no importa cuantos licks alterados te sepas. Sigue el groove de la banda.

En la construcción de un solo podríamos subrayar el uso de las octavas (2:30 en el video de abajo) y las popping lines así como la importancia de los cambios de dinámica y acentuación en la mano derecha. Este video didáctico al estilo de  David Williams es un buen ejemplo de todo ello.

RITMO

Llegamos, por fin, a la raíz más profunda de lo que es el funk: el ritmo. El funk se basa, principalmente en la subdivisión en semicorcheas de cada pulso del compás. Tenemos que ser capaces de marcar cada pulso con el pie mientras tocamos cuatro semicorcheas sobre cada uno de ellos, hacia abajo y arriba alternativamente.

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Es también muy importante marcar bien la acentuación de cada figura con nuestra mano derecha. A partir de esto, van a surgir todos los demás ritmos que vamos a tocar.

Intenta tocar esto sobre las cuerdas muteadas con tu mano izquierda y después utiliza estos dos recursos para hacer variaciones en el ritmo:

  1. Cambia el acento de lugar.
  2. Pon silencios.

Y recuerda que la mano derecha debe moverse abajo y arriba como un reloj y que a pesar de que haya un silencio continuará moviéndose. La diferencia es que donde haya silencio la mano no golpeará las cuerdas, pero seguirá yendo para abajo o para arriba según lo que le toque.

Algunos ejemplos:

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El siguiente paso sería tocar un acorde sobre las figuras y cambiar los silencios por tocar las cuerdas muteadas con la mano izquierda, un recurso muy utilizado en el funk. Para ello escoge uno de los acordes vistos en el apartado de armonía.

  • Con cuerdas muteadas en silencios.

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Después puedes modificar las figuras rítmicas, añadir tresillos etc, pero esta es la base de prácticamente todas las canciones de funk y lo que hará que un tema pueda ser catalogado como funky.

Otra de las características más importantes del funk es la importancia de los pulsos 1 y 3. El soul acentuaba más en el 2 y el 4 y fue sobre todo James Brown el que comenzó a introducir ritmos acentuados en el 1 y el 3.

La idea es que adquieras un vocabulario rítmico que te permita, a la hora de escuchar una canción, aplicar distintos patrones e improvisar sobre la guitarra como si de un instrumento de percusión se tratara. Esto no sólo enriquecerá tu rítmica en el funk, sino que a la hora de hacer solos también tendrás un mayor abanico de frases rítmicas a seguir sin que pierdas el groove de la canción. Una vez que los ritmos están interiorizados te saldrán de forma natural, porque los sentirás.

Intenta crear 10 ritmos distintos y después tocar un compás de cada uno con un metronomo, sin perder el ritmo. Esta información rítmica se grabará en tu oído musical y saldrá cada vez que toques, de forma natural.

Por último, es también importante subrayar el abundante uso del wah-wah, tanto para las partes rítmicas como solistas. Con el wah-wah abierto o cerrado podremos también dar otra perspectiva nueva a nuestras variaciones en cuanto a acentuación y dinámicas.

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ESTILOS

Como nos hemos cansado a decir a lo largo de todo el artículo, se puede aplicar un ritmo de funk a cualquier estilo de música, por lo que encontramos una infinitud de variaciones estilísticas en temas funk. Es más fácil pensar en el funk como un concepto rítmico aplicable a todos los demás estilos existentes.

Voy a repasar, sin embargo, los más característicos o los que más fama han adquirido:

1)Funk rock:

Es un estilo compuesto por una base rítmica de funk a la que se le añade una guitarra más rockera normalmente con distorsión.

Ejemplos:
“Freedom”- Jimi Hendrix

“Sail away”- Deep purple

2)Punk funk:

Es un estilo compuesto por una base rítmica funky con guitarras rápidas y más saturadas que el funk rock. No utiliza acordes con extensiones y suele limitarse a quintas normalmente.

Ejemplos:
“Gotta stay focused”- Adequate seven

“We got soul”- Big Boys

3)Funk disco:

Es un estilo con base rítmica de funk y que añade sintetizadores, simples y otro tipo de sonidos más característicos de la música disco.

Ejemplos:
“Car Wash”- Rose Royce

“Heart of glass”- Blondie

4)Funk metal:

Estilo con ritmo funk y riffs pesados de guitarra, con mucho bajo y distorsión.

Ejemplos:
“Love rears its ugly face”- Living colour

“Killing in the name of”- Rage against the machine

Y para su disfrute un par de temas quizá no demasiado expandidos en el mundo del funk pero que son a mi parecer, obras de arte:

“Todo pa la pachamama” O´Funk´illo: Funk y flamenco, ole.

“Habaneando” De la BSO de Habana Blues: Funk rock y percusión cubana.

Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.

Para ver más artículos y descargar la revista completa puedes ir a Cutaway Guitar magazine.

El Funk.

David “Buke” Vila.

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