Para los que estais aburridos de los diseños de púas habituales y de las púas que os ofrece el mercado os presentamos el Primer concurso de diseño de púas del El Rincón del Sonido.

El ganador tendrá GRATIS 100 púas personalizadas con su diseño.

¿Cómo participar?

1. Descárgate la plantilla de la púa
http://blog.elrincondelsonido.com/wp-content/uploads/2012/03/plantillapua.jpg
Pinchando con el botón derecho del ratón en la imagen “Guardar imagen como…”
ya la podéis guardar en vuestro ordenador.

2. Haz el diseño que tu quieras, rienda suelta a tu imaginación…
blanco y negro, a color, una cara, dos caras, no hay límite.

3. Envíanos tu diseño antes del 19 de abril a las 19 horas
a ventas@elrincondelsonido.com con el asunto:Concurso púas
Los diseños tienen que estar en formato .jpg o .tiff

4. El día 20 de abril a las 13 horas, estáran todos los diseños participantes
subidos en www.elrincondelsonido.com

5. A votar! El diseño que obtenga más “me gusta” será el ganador.
Vota el público; usuarios de Facebook. ¡Promociona tu diseño!
El período de votación finaliza el 26 de abril a las 20h.

6. El día 27 de abril a las 10h daremos a conocer el ganador.

¿Si has ganado? Enhorabuena!
Haremos 100 gratis para ti con tu diseño, en el material que quieras (acetal, delrin,….)

¿Y si no has ganado? Premio de consolación.
Todos los participantes tendrán un 10% descuento para hacer sus propias púas personalizadas.

Concurso solo para España. Las horas marcadas son hora peninsular.
Todos los participantes deben registrarse o estar registrados en la tienda www.elrincondelsonido.com

Encima, después de que te has metido millones de horas para aprender todo eso, tenemos que aguantar que venga el otro colega que no sabe qué está tocando, pero se sabe 25.000 rumbas y todo el mundo piense que toca muchísimo mejor que tú. Y es que… en ese contexto… pues es verdad. El repertorio y el saber tocar para gente son también facetas a tener en cuenta por un buen músico.

Si hay un estilo de música que empuja a cantar y tocar en un ambiente festivo dentro de la cultura americana, ese es el country. No hace falta saber acordes complicados ni hacer grandes maravillas. Es por ello la música popular americana por antonomasia.

El country más tradicional no posee una armonía complicada y suele ser bastante fácil de acompañar. Lo importante es que la gente se lance a cantar. Las letras son otro elemento muy importante dentro de este género. Como de costumbre vamos a pasar a estudiar este estilo dividiendo el artículo en: estructura, armonía y melodía, ritmo y estilos.

ESTRUCTURA

La estructura de un tema country se basa en el desarrollo de la letra. Principalmente en el cambio entre los acordes I-IV-V. Dependiendo de cuán larga sea la letra se permanecerá más tiempo sobre un acorde u otro. Como llevo diciendo en todos los artículos hay que saber sentir la música. Al igual que como ya dijimos también hacía Robert Johnson, fijaos como Jimmy Rodgers va cambiando de acordes cuando lo que está cantando se lo exige, sin estructura específica.

Blue Yodel N. 1 (T for Texas), Jimmy Rodgers

Sin embargo, a pesar de no haber una estructura específica como en el blues, muchos temas mantienen la siguiente, que viene dada por la letra:

Estrofa-(Pre-estribillo)-Estribillo-Estrofa-(Pre-estribillo)-Estribillo-Puente-Estribillo

La letra mantiene la estructura de Presentación-Nudo-Desenlace. La parte Estrofa-(Pre-estribillo)-Estribillo puede repetirse tantas veces sea necesario y se corresponden con la Presentación y el Nudo. El puente es normalmente el Desenlace, donde ocurre algún acontecimiento que da un giro a todo lo que ocurría hasta entonces.

Como veis la importancia en la estructura de un tema country, viene dada principalmente por la historia que cuenta la letra.

ARMONÍA

La armonía de la música country es bastante básica. Suele estar principalmente en tonalidad mayor pero también hay muchos temas countries en tonalidad menor.

Past the point of rescue, Ham Ketchum

El movimiento armónico más común es el mismo que en cualquier música tonal: Dominante-Tónica (V-I) pudiendo pasar por acordes de función Sub-dominante (IV-V-I, V-IV-I). Podemos encontrar distintos ejemplos de esto en “I walk the line” de Johny Cash

I walk the line, Johny Cash

Fijaos de nuevo en como siguen lo que canta y como cuando de repente empieza a cantar antes de lo esperado, en el 2/4, se amoldan a él y lo siguen.

Se tiende a utilizar acordes abiertos y normalmente sin extensiones con excepción de la b7 del grado V. G y D suelen ser de las tonalidades favoritas porque cualquiera de los acordes principales (I-IV-V) puede tocarse con acordes abiertos y la sonoridad de las cuerdas abiertas de estos le da un sabor específico a country. Cuando quieren tocar en otras tonalidades que no sean SOL y RE lo que hacen es usar una cejilla para que la sonoridad y cuerdas abiertas de estas posiciones se mantengan a pesar de ser otro tono.

MELODÍA

En lo que a la voz se refiere son melodías diatónicas. En cuanto a las melodías de la guitarra country se diferencian las siguientes escalas básicas:

1)escala pentatónica mayor: R - 9 - 3 - 5 - 13

2)escala country: R - 9 - b3 - 3 - 5 - 13

3)escala mayor diatónica: R - 9 - 3 - 11 - 5 - 13 - 7

4)escala de blues: R - b3 - 11 - b5 - 5 - b7

El uso de licks pentatónicos es innumerable, tanto mayores como menores. Y todas estas escalas son, por supuesto, mezcladas a gusto del intérprete.

La música country tiene influencias de diversas músicas del sur de los Estados Unidos. También existe una instrumentación típica que aporta un sonido country a una canción: mandolín, banjo, violín, pedal steel etc. Un recurso muy utilizado es la imitación de estos instrumentos mediante la guitarra. A continuación haremos un resumen de las técnicas más utilizadas para dar a nuestros solos un sonido country auténtico. Para con seguir un buen sonido country se utiliza la técnica de púa hibrida, es decir, púa y dedos.

1)Banjo rolls:

Se intenta imitar el fraseo típico del banjo.

2)Frases de pedal steel:

Se intenta imitar mediante bendings el sonido típico de este instrumento.

3)Frases con cuerdas al aire:

Es un recurso muy típico dejar sonando cuerdas al aire a lo largo del resto de la frase.

4) Frases con acordes:

Hacer frases sobre cada acorde con las notas que lo componen. Se recurre mucho a las distintas tríadas sobre tres cuerdas que podemos encontrar a lo largo del mástil.

5) Double stops (Imitando al piano):

Se busca el sonido de la mano izquierda y derecha del piano, alternando un bajo con acordes en registros más agudos a la contra.

6) Chicken picking:

Es un sonido muy característico del country que consiste en no dejar vibrar la cuerda que se toca deteniendo su sonido con otro dedo o la palma de la mano tras tocarla a la vez que se golpea las cuerdas como “estirando” de ellas. Este es un video que da un buen ejemplo de este sonido.

Nervous breakdown, Brad Paisley

RITMO

1) El tren (Boom chakha)

El ritmo que probablemente más se ha utilizado en la música country. Puede entenderse como un 2/4 constante con acentuación en el segundo tiempo. Veamos el tema country boy tocado por Albert lee.

Country boy, Albert Lee

Después pueden realizarse variaciones en cuanto a la velocidad y puede ser aplicado tanto a baladas como a temas más vivos como el anterior. El siguiente ejemplo de Johny Cash mantiene también este ritmo pero de una manera muy lenta y pausada. Toca primero el bajo y después acentúa sobre las primeras cuerdas el segundo tiempo.

The best in me, Johnny Cash

2) Shuffle:

Está basado en un ritmo a corcheas en el cual la primera dura más que la segunda. Podría interpretarse como un ritmo de tresillo de corchea de una negra+una corchea:

Sin embargo, no es una medición exacta, y una vez más depende del feeling de cada artista. Algunos prolongan más la primera corchea, otros menos. Brad Paisley suele siempre incluir algún tema con este ritmo en todos sus discos.

You need a man around here, Brad Paisley

3) Country swing rhythm:

Normalmente se denomina como tal un ritmo de tipo 2/4 con un feeling como el del shuffle pero que tiende a ser de carácter más vivo y con líneas de bajo y movimientos de acordes más complejos entre el característico IV-V-I, incluyendo dominantes secundarios y armonías más típicas del mundo del jazz. Rítmicamente es muy similar por no decir igual al shuffle pero más rápido. Este es un ejemplo de Hank Garland.

Sugarfoot Rag, Hank Garland

SUB-ESTILOS

Country temprano:

El country más primitivo. Tiene una gran influencia de la música celta llegada a América desde el Reino Unido. Su instrumentación básica suele ser: guitarra acústica, violín, banjo, mandolín y poco más. Suele ser muy simple en cuanto a armonía. Toda la instrumentación tiene como objetivo principal acompañar a la voz. El siguiente es un ejemplo de The carter family: “Wildwood flower”.

Wildwood flower, The Carter family

Bluegrass:

En este estilo los instrumentos toman más importancia y cada uno tiene la oportunidad de destacar en distintos momentos. Se tocan solos y cada uno de los instrumentos tiene un hueco para el suyo. La voz deja de ser el único elemento a resaltar.

Blue moon of Kentucky, Bill Monroe

Western swing:

Como hemos dicho antes, es un estilo que muchos prefieren llamar jazz con algunos toques countries y agruparla bajo el jazz, más que bajo el country. Es de carácter vivo y de las más demandadas en la pista de baile dentro del mundo country. Utiliza armonías de jazz y progresiones con dominantes secundarios y otros recursos no muy típicos en el country y de mayor carácter jazzístico. Ejemplo, Don Gibson, “ Oh lonesome me” y “I can´t stop loving you” un tema que aunque de carácter más lento mantiene las principales características.

Oh Lonesome me, Don Gibson

I can´t stop loving you, Don Gibson

Country rock:

Como su nombre indica, es música country mezclada con música rock. También hay quien lo llama southern rock o, vamos, lo que a todos nos viene a la cabeza con “Lynyrd Skynyrd”. En este estilo tenemos distorsión, batería, bajo eléctrico etc. Dejo un ejemplo de la banda Montgomery Gentry “Hillbillies shoes”.

Hillbilly shoes, Montgomery, Gentry

Podríamos encontrar muchos más sub-estilos ya que el country es una música que si bien ha nacido de la mezcla de muchas otras, también se ha mezclado con todas las demás. Para los curiosos, os dejo una página en la que analizan de manera bastante extensa aún más estilos.

http://countrymusic.about.com/od/artistsofcountrymusic/u/artists_styles.htm

Y con esto no me queda nada más que recordaros que si no tocáis todo lo que en este artículo hemos comentado con un sombrero de cowboy, nunca, pero nunca jamás, sonará country.

Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.

Para ver más artículos y descargar la revista completa puedes ir a Cutaway Guitar magazine.

El Country.

David “Buke” Vila.

Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca es una obra de Guillermo Dalia con la que obtuvo el premio Euterpe en 2009.  Licenciado por la facultad de Psicología de la Universidad de Valencia y  en Psicología Clínica se especializa en la interpretación musical. Desde 1993 su que hacer profesional gira en torno a la mejora de la calidad de vida de los músicos. Desarrolla su labor en cuatro ámbitos: la formación, la psicoterapia individual, la investigación y la publicación de libros sobre esta temática.

Este libro es para músicos pero no tiene ninguna partitura ni enseña ninguna técnica de un instrumento cualquiera. No obstante puede que sea de mucha más ayuda. Trata sobre los músicos y todo lo que hay a su alrededor. Es una afición o profesión especial que requiere una formación prematura y excepcional y eso puede marcar la personalidad del músico. Trata de la relación especial que surge entre alumno y maestro, entre músico y familia y entre músico y su instrumento.

Trata también de lo que no se sabe de un músico. De las incontables horas de soledad a las que se enfrenta el músico mientras estudia. De las ansiedad y presión a la que se ve sometido ante una actuación. De las esperanzas, logros y fracasos que se van obteniendo o que van llegando. Si eres músico o tienes uno cerca te verás indentificado en alguno de los capítulos que componen la obra y que a continuación puedes leer:

INDICE

1- Presentación

2- ¡Cómo somos! Cosas de músicos
¿Por qué tienen tan mal humor los músicos?
Nadie nos entiende
El espacio que ocupa la música en nosotros
Pero ¿somos distintos por ser músicos?
¿Entre nosotros somos distintos?

3- ¿Por qué somos así?
¿De dónde salen los músicos?
¿El conservatorio conserva?
El día tiene 24 horas
Clanes, escuelas, comunidades y hermandades

4- La relación profesor-alumno
Una relación única
Y bidireccional
Manteniendo las distancias
Olvídate de lo hecho hasta ahora, yo soy el camino

5- Saliendo al exterior: Bienvenido al mundo real
Seguimos de exámenes
¿Competidores o compañeros?
Hay vida más allá de la música
El instrumento más difícil es…
Los músicos también se queman

6- Un apéndice más: nuestro instrumento
La relación amor-odio con el instrumento
Parejas de hecho
¿Dependencia o amistad?
Celos
Cuidémonos y afinémonos

7- Para familiares y amigos: manual de supervivencia
¿Cómo actuar ante un músico?
El síndrome Preconcierto (SPC)
Hoy es el día D
Después de la batalla
Que no decir nunca a un músico
Cuando tú dices… el músico escucha…

8- Tenemos solución
¿Y si soy músico qué hago?
Un músico bueno no va al psicólogo
¿Solución personal o musical?
De mal a bien, o de bien a mejor

9- ¿Cuál es la llave de la felicidad?
La felicidad
¿Qué es la felicidad?
¿Qué clave es la clave de la felicidad?
Por lo tanto… seamos felices
Detectemos los obstáculos del músico para ser feliz y superémoslos
Ejercicios felices
La partitura más bonita: La vida. Un paseo por la playa

10- Hacia afuera: habilidades sociales
Hace miles de años
¿Qué son unas correctas habilidades sociales?
Hacer cumplidos
Aceptar cumplidos
Hacer peticiones
Defender los propios derechos
Rechazar peticiones
Expresar desagrado o insatisfacción
Petición de cambio de conducta del otro
Disculparse o admitir ignorancia
Afrontar críticas
Obstáculos para practicar habilidades sociales

11- Hacia adentro: control emocional
Un mundo bajo la piel
¿Controlar las emociones?
Conociendo al enemigo
Cómo se instaura el enemigo
Los enemigos de los músicos
Cambiando enemigos por amigos

12- También hay cosas buenas ¿no?
No es todo tan negativo
Casi todo es positivo
Aventuras y experiencias
Maduración personal
Lo bueno y lo malo

13- Y si soy profesor ¿qué hago?
Soy más cosas que profesor
Profesores que destiñen y levaduras
Estar orgulloso, muy orgulloso
Que disfruten, que disfruten, que disfruten…
La relación con los alumnos
La relación con los demás
Estar a la última

14- ¿Y los padres, qué hacemos?
¡Socorro! mi hijo quiere ser músico
Ni Mozart ni pasatiempo
La elección del instrumento
Ser unos padres responsables
Imponemos o consentimos, nos pasamos o no llegamos
Apórtandoles felicidad en sus estudios
Cuando los padres son músicos, ¡uf!
¿Y si quieren abandonar?

15- Y si soy alumno, ¿qué hago?
¡Socorro! Mis padres quieren que sea músico
Ni más ni menos: estudiar
La relación con el profesor-a
La relación con otros alumnos
La relación con otros
Aprender a vivir con la música y no de la música

16- ¿Y si mi pareja es músico?
¿Qué sabemos de las parejas?
Parejas felices
Somos músicos, somos pareja
Parejas de músicos felices

17- El mundo de las orquestas
¿Es preciso ser amigo de los compañeros?
Relación y clima de la Orquesta
Ni locos ni futbolistas
¿Somos un equipo?
Nos castigamos y nos premiamos
Con cierto desconcierto

18- Otras músicas, otros músicos
Clásicos, jazz y flamenco
Aficionados

19- Recapitulando

20-Bibliografía

Para más información sobre el autor puedes visitar su página web.

Para hacerte con tu ejemplar de Cómo ser feliz si eres músico o tienes uno cerca

Otras obras del autor:

El músico. Una introducción a la psicología de la interpretación musical.

Cómo superar la ansiedad escénica en músicos: un método eficaz para dominar los “nervios” ante las actuaciones musicales.

Tenemos las navidades a la vuelta de la esquina. Otra vez a pensar en los regalos y en especial en los regalos a los pequeños de la casa que son los que con mas ilusión esperan su llegada. Una buena opción puede ser regalar un instrumento a escala.
Dentro de los instrumento a escala, es decir, instrumentos con las mismas carácteristicas que los que usan los adultos pero adaptados al tamaño de un niño, destacamos las baterías infantiles. Como todos los instrumentos de la familía de la percusión, las baterías atraen especialmente a los niños. A todos les gusta aporrear cosas y si lo hacen sobre un objeto pensado para ello las consecuencias no son del todo desastrosas.

Para más información puedes consultar las baterías infantiles de Elrincóndelsonido.com

De izquierda a derecha: Bob Esponja SBK 100, Deep GC 3500 y Deep GC 39

Por otro lado esta la familia de los instrumentos de cuerda y especialmente la guitarra. Es tal vez la familia de instrumentos que más trabajada tiene su edición en instrumentos a escala. Hay que tener claro el tamaño que queremos según la edad y estatura del niño que la vaya a tocar. Los tamaños mas extendidos en guitarras a escala son 1/2 y 3/4. Tambien se puede encontrar que a la de 1/2 se la presente como tamaño infantil y la de 3/4 como tamaño cadete.

Aqui presentamos unos ejemplos de guitarra cadete o 1/2 y de guitarra infantil o 3/4.

De izquierda a derecha: Ispana Talavera de 1/2, Ispana MOD 35 de 3/4 y  Rochester A1 cadete

También hay instrumentos que están a mitad de camino entre instrumentos de escala completa y de escala reducida. Por ejemplo nos podemos encontrar guitarras clásicas de caja pequeña pero con el mástil a tamaño real. Tal vez no sea la mejor opción ya que las manos de un niño tambien son pequeñas y le suele costar tocar en este tipo de mástiles.

Para terminar con las guitarras mencionamos los instrumentos a escala completa pero con motivos infantiles o juveniles. Son aconsejados para chicos y chicas mas mayores pero a los que les pueda atraer instrumentos con motivos animados acordes con su edad.

De izquierda a derecha: Disney HSM-DA34 de 3/4, Disney HM-DA34 de 3/4 e Ispana Skyblue de escala completa

Otra familia interesante para los más pequeños son los teclados. Todos los derivados del piano, y el mismo piano claro está, son instrumentos especialmente pedagógicos. Cada nota solo se puede emitir con su respectiva tecla, cosa que no ocurre con los instrumentos de cuerda en los que hay notas que se pueden obtener en varias posiciones distintas. Para un niño un teclado con teclas pequeñas, sin estar contrapesadas y sin sensibilidad para que suene sin apenas esfuerzo, las opciones de grabar lo que toca, la enorme cantidad de timbres disponibles y poder tocar sobre bases de acompañamiento se convierte en un instrumento muy interesante.

Estos son algunos ejemplos interesantes de teclados.

De izquierda a derecha: Casio CTK 230 y Casio LK 110 con función de aprendizaje mediante teclas luminosas

Paul nos deleitará con su elevada técnica como guitarrista además de mostrarnos en profundidad las posibilidades de las nuevas guitarras Variax Jame Tyler, así como los amplificadores y su conexión con las pedaleras de Line 6.

A este clínic estáis todos invitados, por supuesto.

Al finalizar el clínic se celebrarán diferentes sorteos con obsequios para los asistentes.

No vemos en el Taller de Músics.

El teclado CTK-7000 graba tu voz, lo que entra a través de tu MP3 por la entrada de audio y lo que tocas simultáneamente. Queda registrado en la tarjeta de memoria y ya tienes tu canción. Con este teclado y el micrófono y accesorios complementarios ya tienes todo lo necesario para grabarte en tu casa.

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Por otro lado este mes de Noviembre termina la promoción especial de Casio, 3 meses 3 Casio con el último artículo en promoción. Se trata del teclado Casio CTK-300 a 179 € y la versión en KIT con soporte, pedal de sustain y adaptador de corriente a 199 €.

Recuerda que si compras algún producto de CASIO entrarás en el sorteo de un cheque regalo de 300 € en tu tienda habitual.

La promoción ha sido un éxito de participación, habiéndose regstrado para el sorteo de los 300 € algo más de 500 personas.  El afortunado ganador de dicho corteo ha sido el Sr. Serafín Arriaza.

Para este segundo mes de la promoción el piano protagonista es el Celviano AP - 200 a un precio final de venta de 850 €.

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Teclado Casio Celviano AP 220

A la gente le gusta bailar y poder seguir una canción mientras mueve la cabeza. A la mayoría de la gente que escucha música le causa una supina indiferencia que uses el modo mixolidio o el modo supercalifragilístico.

Uno de los aspectos más importantes y menos estudiados dentro de la guitarra es el ritmo. Tanto en labores de guitarra puramente rítmica como dentro del fraseo solista.

Una persona con un buen sentido del ritmo puede poner a bailar a toda una sala tocando dos notas y sin usar alteraciones, y alguien que sabe todas las escalas e incluso ha descubierto nuevos y alucinantes modos de la música neozelandesa del siglo II antes de cristo, puede aburrir y no mover a nadie.

Volvemos a lo de siempre, hay que saber sentir el ritmo de la música, y después aplicar todos esos modos y escalas. Si no escuchamos donde golpea el plato el batería, donde hay un silencio etc. podríamos estar construyendo una parte de guitarra que va totalmente cruzada con el groove general de la canción. Para ello, hoy vamos a estudiar uno de los estilos que pone a bailar a toda la sala cada vez que suena: el funk.

Vamos a continuar en la misma línea que con el blues y vamos a dividir el estudio en: estructura, armonía y melodía, ritmo y estilos.

ESTRUCTURA

Lo importante de la estructura del funk más primitivo es que no hay ninguna necesidad de tener una específica. De hecho, si escuchamos a James Brown en, por ejemplo, “I got the feeling”,  los músicos cambian de la estrofa al estribillo, unas veces, cuando grita (3:30) y otras, cuando salta o levanta la mano. Es una música en la que, muchas veces, tenemos que seguir lo que el cantante siente, a no ser que se haya acordado de otra manera previamente. Existe una estrofa, estribillo, puente etc. pero tiende a no haber un número específico de repeticiones de estas y ser el cantante el que marca los cambios.

Sin embargo, a pesar de que el funk tiende a no tener una estructura establecida, como sí que lo hace el blues, por ejemplo, se le puede aplicar estructuras de esta u otras músicas. Ya hablamos del “funk blues” en los números anteriores.  

El elemento que hace que una canción sea funky es el ritmo. El funk más tradicional tiende a no tener una estructura específica, pero podemos tomar un Standard de jazz, respetar al máximo su estructura y hacerlo en un estilo funky si le aplicamos un ritmo de tipo funky. Hablaremos más de esto en el apartado de ritmo.

ARMONÍA

Los cambios armónicos no son tan importantes en el funk tradicional, pero a pesar de ello los acordes que se utilizan suelen incluir todo tipo de extensiones más típicas, por ejemplo, del jazz . La diferencia es que se utilizan como acordes estáticos sobre los que se ejecuta un ritmo, no como las típicas progresiones de jazz donde se cambia de acordes constantemente.

Las canciones de funk tradicionales tienden a estar en el modo mixolidio o en el modo dórico. Sin embargo, como ya hemos dicho, será el ritmo lo que determinará la cualidad funky de un tema, no la armonía ni las progresiones.

En la guitarra se tiende a marcar más las primeras cuerdas, e incluso a simplemente tocar las 3-4 primeras. Se suelen realizar arreglos sobre los propios acordes que estamos tocando, añadiendo y quitando la 13, por ejemplo, o con pequeños licks y fraseos. Esto se puede apreciar perfectamente en “Sex machine” donde el guitarrista toca un acorde 9 con la quinta arriba y la sube a la 13 en cada tercer tiempo del compás, para volver a la 5 en la última semicorchea del mismo.

Fijaos también en lo comentado sobre la estructura, y como James Brown les grita “¿Vamos al puente? Venga, al puente” y es ahí termina la estrofa para pasar al puente.

Estos son algunos de los acordes más comunes que intentan ceñirse a las 3-4 primeras cuerdas:

• Menores:

• Dominantes:

La lista sería interminable. Aquí hemos visto los acordes más típicos del funk más tradicional, tipo James Brown. Como regla general puedes utilizar cualquiera de los que ya sabes tocando sólo las 3-4 primeras cuerdas. Si quieres encontrar acordes de otro tipo con otros voicings como estos (mayores, disminuidos etc.) te fijas en los que acabamos de ver, los modificas ¡y te los curras tú! Lo importante es adaptarlos a las cuerdas más agudas y seguir las reglas generales de armonía teniendo en cuenta que la 3, la 7, y las tensiones son las más importantes si has de dejar alguna fuera.

MELODÍA

Como venimos diciendo todo el rato, se puede aplicar un ritmo funky a cualquier armonía y melodía, pero si hablamos estrictamente del funk más tradicional, la melodía tiende a ser una mezcla del modo dórico o mixolidio con la escala de blues. Sin embargo, una vez más, lo importante es que la melodía siga el ritmo de la canción. Fijaos en este video de Victor y Regi Wooten. Las notas que tocan es casi lo de menos mientras alguien toque la tónica de vez en cuando. Lo importante es el groove, la calidad rítmica de lo que improvisan. 

Lo más importante es que la guitarra es usada como un elemento percusivo y hay que mantener el groove vivo, no hay grandes cambios melódicos ni armónicos entre las partes. Eres un elemento rítmico, no importa cuantos licks alterados te sepas. Sigue el groove de la banda.

En la construcción de un solo podríamos subrayar el uso de las octavas (2:30 en el video de abajo) y las popping lines así como la importancia de los cambios de dinámica y acentuación en la mano derecha. Este video didáctico al estilo de  David Williams es un buen ejemplo de todo ello.

RITMO

Llegamos, por fin, a la raíz más profunda de lo que es el funk: el ritmo. El funk se basa, principalmente en la subdivisión en semicorcheas de cada pulso del compás. Tenemos que ser capaces de marcar cada pulso con el pie mientras tocamos cuatro semicorcheas sobre cada uno de ellos, hacia abajo y arriba alternativamente.

Es también muy importante marcar bien la acentuación de cada figura con nuestra mano derecha. A partir de esto, van a surgir todos los demás ritmos que vamos a tocar.

Intenta tocar esto sobre las cuerdas muteadas con tu mano izquierda y después utiliza estos dos recursos para hacer variaciones en el ritmo:

1. Cambia el acento de lugar.
2. Pon silencios.

Y recuerda que la mano derecha debe moverse abajo y arriba como un reloj y que a pesar de que haya un silencio continuará moviéndose. La diferencia es que donde haya silencio la mano no golpeará las cuerdas, pero seguirá yendo para abajo o para arriba según lo que le toque.

Algunos ejemplos:

El siguiente paso sería tocar un acorde sobre las figuras y cambiar los silencios por tocar las cuerdas muteadas con la mano izquierda, un recurso muy utilizado en el funk. Para ello escoge uno de los acordes vistos en el apartado de armonía.

• Con cuerdas muteadas en silencios.

Después puedes modificar las figuras rítmicas, añadir tresillos etc, pero esta es la base de prácticamente todas las canciones de funk y lo que hará que un tema pueda ser catalogado como funky.

Otra de las características más importantes del funk es la importancia de los pulsos 1 y 3. El soul acentuaba más en el 2 y el 4 y fue sobre todo James Brown el que comenzó a introducir ritmos acentuados en el 1 y el 3.

La idea es que adquieras un vocabulario rítmico que te permita, a la hora de escuchar una canción, aplicar distintos patrones e improvisar sobre la guitarra como si de un instrumento de percusión se tratara. Esto no sólo enriquecerá tu rítmica en el funk, sino que a la hora de hacer solos también tendrás un mayor abanico de frases rítmicas a seguir sin que pierdas el groove de la canción. Una vez que los ritmos están interiorizados te saldrán de forma natural, porque los sentirás.

Intenta crear 10 ritmos distintos y después tocar un compás de cada uno con un metronomo, sin perder el ritmo. Esta información rítmica se grabará en tu oído musical y saldrá cada vez que toques, de forma natural.

Por último, es también importante subrayar el abundante uso del wah-wah, tanto para las partes rítmicas como solistas. Con el wah-wah abierto o cerrado podremos también dar otra perspectiva nueva a nuestras variaciones en cuanto a acentuación y dinámicas.

ESTILOS

Como nos hemos cansado a decir a lo largo de todo el artículo, se puede aplicar un ritmo de funk a cualquier estilo de música, por lo que encontramos una infinitud de variaciones estilísticas en temas funk. Es más fácil pensar en el funk como un concepto rítmico aplicable a todos los demás estilos existentes.

Voy a repasar, sin embargo, los más característicos o los que más fama han adquirido:

1)Funk rock:

Es un estilo compuesto por una base rítmica de funk a la que se le añade una guitarra más rockera normalmente con distorsión.

Ejemplos:
“Freedom”- Jimi Hendrix

“Sail away”- Deep purple

2)Punk funk:

Es un estilo compuesto por una base rítmica funky con guitarras rápidas y más saturadas que el funk rock. No utiliza acordes con extensiones y suele limitarse a quintas normalmente.

Ejemplos:
“Gotta stay focused”- Adequate seven

“We got soul”- Big Boys

3)Funk disco:

Es un estilo con base rítmica de funk y que añade sintetizadores, simples y otro tipo de sonidos más característicos de la música disco.

Ejemplos:
“Car Wash”- Rose Royce

“Heart of glass”- Blondie

4)Funk metal:

Estilo con ritmo funk y riffs pesados de guitarra, con mucho bajo y distorsión.

Ejemplos:
“Love rears its ugly face”- Living colour

“Killing in the name of”- Rage against the machine

Y para su disfrute un par de temas quizá no demasiado expandidos en el mundo del funk pero que son a mi parecer, obras de arte:

“Todo pa la pachamama” O´Funk´illo: Funk y flamenco, ole.

“Habaneando” De la BSO de Habana Blues: Funk rock y percusión cubana.

Por cortesía de David “Buke” Vila y Cutaway Guitar magazine.

Para ver más artículos y descargar la revista completa puedes ir a Cutaway Guitar magazine.

El Funk.

David “Buke” Vila.

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Teclado Casio Privia PX 130 KIT con mueble

El resultado ha sido dos procesadores de efectos robustos y compactos como es el Zoom G2.1 Nu con 50 efectos manufacturados por cada uno de los guitarristas. Los otros 50 efectos que completan los presets los ha elegido cada uno de los que trae originalmente el G2.1 Nu. En ambos casos se han preocupado de obtener efectos de su sonido propio, tanto para rítmicas, para sonidos solistas, con efectos que usan habitualmente e incluso para sonidos límpios. Como en el caso de la de Kiko Loureiro que trae un preset especialmente pensado para bossa.

Además traen regalos. En el caso de la Zoom de Mustaine viene acompañada por una púa personalizada, una postal y una réplica del pase de backstage de la gira de Megadeth “Peace Sells… But Who’s Buying”. La de Kiko viene acompañada de una púa personalizada y una postal.

Para más información y hacerte con la tuya puedes visitar los siguientes enlaces:

Zoom G2.1 Signature Dave Mustaine.

Zoom G2.1 Signature Kiko Loureiro.

En el video podemos ver la presentación del propio Dave en el NAMM 2011.